Андрей Рублев
(ок. 1360 - ок. 1430)


Искусство Андрея Рублёва — гениального художника. Древней Руси — одно из высших Постижений русского и всего мирового искусства. Творчество Рублева пронизано идеями патриотической борьбы русского народа против татар, стремлением к объединению Руси. В своей живописи Рублев воплотил эстетические и этические идеалы народа, его представление о красоте, достоинстве и нравственном совершенстве человека. В традиционных образах религиозных легенд (апостолы, святые, ангелы) Рублев воплотил реальные черты характера своих современников, отстоявших независимость Руси в битве на Куликовом поле.



Феофан Грек
(ок. 1340-ок. 1410)


Феофан Грек относится к крупнейшим мастерам средневековья. Его работы, исполненные в Византии, не сохранились. Все известные его произведения были созданы на Руси и для Руси, где он прожил более тридцати лет. Он познакомил русских с высочайшими достижениями византийской духовной культуры, переживавшей в его время один из последних взлетов.



XV
Русские художники

Дионисий
(ок. 1440 - между 1502 и 1508)

О жизни иконописца Дионисия мы знаем гораздо больше, чем о его гениальных предшественниках — Феофане Греке и Андрее Рублеве. Дионисий достиг славы при жизни. Так случилось, что творчество талантливого иконописца любил государь «всея Руси» Иван III.


XVII
Русские художники

Зубов Алексей Федорович
(1682-1750)

А. Ф. Зубов - крупнейший русский гравер петровской эпохи, один из первых мастеров светской гравюры. После смерти в 1689 г. отца - Федора Зубова, выдающегося иконописца Оружейной палаты, - братьев Зубовых, Алексея и старшего Ивана (впоследствии тоже гравера) зачисляют туда учениками-иконописцами.


Никитин Иван
(1680—1742)

Никитин Иван, знаменитый русский художник, один из первых получивший европейское образование. Родился в Москве в семье священника. Был певчим в патриаршем хоре, потом учителем рисования и «цифири», то есть арифметики, в артиллерийской школе. В 1716 году, путешествуя по Европе, Петр I пишет жене: «Попались мне навстречу Беклемишев и живописец Иван. И как они приедут к вам, тогда попроси короля, чтобы велел свою персону ему списать; также и протчих каво захочешь, а особливо свата, дабы знали, что есть и из нашего народа добрые мастеры». Речь шла о портретах польского короля и герцога Мекленбургского и о русском живописце Иване Никитине.


XVIII
Русские художники

Алексеев Федор Яковлевич
(Между 1753 и 1755 - 1824)

Алексеев Федор Яковлевич (1753/1755-1824) — русский живописец, один из основоположников национального городского пейзажа. Родился в Петербурге. Сын сторожа при Академии наук. Большая одаренность Алексеева проявилась уже в раннем детстве. В 1766- 73 гг. учился в АХ, сначала в классе «живописи цветов и плодов», и только затем в пейзажном, что гораздо больше соответствовало его наклонностям. В 1773 г. за один из пейзажей получил золотую медаль, которая дала ему право на поездку в Италию.


Антропов Алексей Петрович
(1716-1795)

Антропов Алексей Петрович (1716—1795), выдающийся русский портретист. Сын оружейного мастера. С 1732 — ученик замечательных русских мастеров живописи — А. Матвеева и И. Вишнякова. Принимал участие в декоративных росписях Зимнего (1744), Летнего (1748), Царскосельского (1749) и др. дворцов. Под руководством Антропова был расписан Андреевский собор в Киеве (1752—55). Заслуги молодого талантливого живописца были оценены, и с 1761 он был назначен в Синод — главным надзирателем живописных и иконописных работ. Однако в истории русского искусства Антропов остался прежде всего как замечательный портретист, творчество которого исходило из национальной традиции XVII века и портретного канона петровского времени, олицетворяя следующий этап в развитии русской портретной живописи XVIII века.


Аргунов Иван петрович
(1729, ? - 1802)

Иван Петрович Аргунов прожил 73 года. Историки, занимающиеся тем временем, неизменно сетуют: мол, был Иван Петрович крепостным, подневольным художником, отсутствие свободы было его трагедией. Все так, конечно, быть крепостным это ужасно. Но настолько ли несчастен был этот замечательныи творец? Так ли горька и беспросветна была его жизнь? Родился Иван Петрович Аргунов в крепостной семье архитекторов и живописцев: семья эта сначала принадлежала князю Черкасскому, в 1743 году Аргуновы перешли в собственность графов Шереметевых. Рос и воспитывался будущий художник у своего петербургского дяди С. М. Аргунова: он служил управителем «Миллионного дома» своего хозяина.


Басин Петр Васильевич
(1793-1877)

Творчество П. В. Басина характерно для художника русской академической школы середины XIX в. С Петербургской АХ Басин был связан почти всю жизнь. Ее рисовальные классы он начал посещать восемнадцатилетним юношей в качестве постороннего ученика и завершил образование, занимаясь исторической живописью у В. К. Шебуева. Большая золотая медаль, полученная за картину "Христос изгоняет из храма торгующих" (1818), дала ему право на пенсионерскую поездку в Италию.


Беггров Карл Петрович (Карл-Иоахим)
(1799-1875)

К. П. Беггров занимался литографией, акварелью и живописью. В 1818-21 гг. учился в пейзажном классе Петербургской АХ у М. Н. Воробьева. Работал в литографской мастерской своего старшего брата И. П. Беггрова, где и приобрел навыки рисования на камне. Наряду с этим с 1825 г. служил литографом при Главном управлении путей сообщения и публичных заведений. В 1828 г. был приглашен для исполнения живописных работ в Зимнем дворце. В 1831 г. К. П. Беггров получил от АХ звание назначенного, а в 1832 г. - академика перспективной живописи за картину "Михайловский дворец". Им исполнены живописные портреты императоров Александра I, Николая I, академика А. X. Востокова.


Боровиковский Владимир Лукич
(1757-1825)

Боровиковский Владимир Лукич (1757—1825), выдающийся русский художник-портретист. Родился в Миргороде в семье казака. Первые уроки живописи получил у отца. В 1787 Екатерина II направлялась через Украину в Крым. На пути императрицы возводились всякого рода пышные сооружения и дворцы. Один из них декорировал приписанный к Миргородскому полку сын мелкого казачьего старшины Боровиковский. Согласно преданию, Екатерина похвалила и наградила его, так что на полученные деньги он смог отправиться в Петербург.


Брюллов Карл Павлович
(1799-1852)

Карл Великий. Так называл Карла Павловича Брюллова его ученик, поэт и художник Тарас Шевченко. Памяти Брюллова он остался верен до конца жизни, во многом был ему обязан своей свободой бывший казачок из дворни графа Энгельгардта. Так называли его и многие современники художника. Итальянцы буквально ломились в римскую мастерскую Брюллова, чтобы увидеть «Последний день Помпеи», Вальтер Скотт назвал эту картину величественной эпопеей, Гоголь посвятил ей восторженную статью. «Картина Брюллова, — писал он, — одно из ярких явлений XIX века. Это — светлое воскресение живописи, пребывавшей долгое время в каком-то полулетаргическом состоянии... Картина Брюллова может назваться полным, всемирным созданием. В ней все заключилось». Возвращение художника из Италии на родину с картиной «Последний день Помпеи» стало триумфом русского искусства.


Венецианов Алексей Гаврилович
(1780 — 1847)

Венецианов Алексей Гаврилович, выдающийся русский художник, основоположник бытового жанра в русской живописи. Родился в Москве в семье купца. В молодости был землемером, позднее — мелким чиновником. Художественную деятельность начал с портретов маслом и пастелью, самая достоверная работа этого периода — «Портрет матери» (1801). С 1807 стал брать уроки у известного портретиста В. Боровиковского. Автопортрет художника (1810) — уже работа мастера.


Воробьев Максим Никифорович
(1787-1855)

Воробьев Максим Никифорович — русский живописец-пейзажист. С 1798 по 1809 г. учился в Петербургской Академии художеств у Ф. Я. Алексеева и М. М. Иванова. В 1809 г. за «Вид новостроящейся церкви Казанской Богоматери с околичностями» он получил Большую золотую медаль, что дало ему право на командировку за границу, но международная обстановка, связанная с войнами Наполеона в западноевропейских странах, вынудила Воробьева отложить путешествие. В качестве помощника Ф. Я. Алексеева молодой художник ездил по российским городам, делая зарисовки для городских архитектурных пейзажей.


Кипренский Орест Адамович
(1782 — 1836)

Среди прижизненных портретов А. С. Пушкина есть один, особенно любимый и популярный. Мысль и вдохновение, красота творческого деяния и высокое предначертание «избранника муз»— вот содержание этого портрета. Чистое, незамутненное чело, лицо спокойное и значительное, величавая, полная достоинства поза, взгляд, устремленный вдаль, поверх зрителей, строгий сюртук и плед, перекинутый через плечо, наконец, статуэтка Музы, играющей на лире,— классический символ поэзии — все здесь подчинено замыслу автора. Перед нами Поэт, историческое и всеобъемлющее значение которого осознавалось уже его современниками.


Левицкий Дмитрий Григорьевич
(1735—1822)

Первоначальные навыки в искусстве получил, по-видимому, от своего отца — гравера Г. Левицкого. Затем учился у А. Антропова (с 1752), расписывавшего в 1752—55 Андреевский собор в Киеве. Ученик А. Антропова, он перенял от него правдивость и непредвзятость в изображении сановных моделей, чувство собственного достоинства, исключающее ложь и угодливость. Современник Ф. Рокотова, он близок к нему по интересу к внутреннему миру человека, портрету психологическому и интимному. Левицкий — художник, прочно стоявший на реальной почве и в то же время чуткий к истинной поэзии, способный к возвышенным порывам.


Рокотов Федор Степанович
(1735—1808)

В середине 1760-х годов, когда Антропов находился еще в расцвете сил, завоевывает известность живописец, разительно непохожий ни на него, ни на других современников, — Ф. Рокотов. Мало знаем мы об этом художнике родом из семьи крепостных князя И. Репнина, ставшем одним из самых изысканных и тонких живописцев в европейском искусстве XVIII века. Лишь в последние годы стала рассеиваться плотная завеса, скрывавшая обстоятельства его жизни и творчества


Тропинин Василий Андреевич
(1776—1857)

Весной 1827 года, Пушкина портретировал В. Тропинин. Портрет был заказан самим поэтом для своего приятеля С. А. Соболевского, которому, по свидетельству современника «хотелось сохранить изображение поэта, как он есть, как он бывал чаще». Тропинин, собственно, и не мог создать иного портрета: именно так видел и воспринимал он своего великого современника. Тропинин не слагал возвышенных гимнов и элегий, он говорил чистым и ясным разговорным языком. Только всеобъемлющий гений Пушкина мог воедино слить контрасты современной истории и российской культуры, Кипренский и Тропинин — каждый по-своему — отобразили одну из граней.


Шибанов Михаил
(год рождения неизвестен - умер после 1789)

Шибанов Михаил, русский живописец. Из крепостных крестьян. С 1783 «вольный живописец». Портретист, зачинатель крестьянского бытового жанра в русском искусстве. Картины Ш., созданные под непосредственным впечатлением от натуры, отличаются конкретностью в трактовке сюжета, выразительностью и значительностью почти портретных характеристик крестьян.


XIX
Русские художники

Агин Александр Алексеевич
(1817-1875)

Александр Агин и его младший брат Василий были незаконными сыновьями офицера-кавалергарда А. П. Елагина, который смог дать обоим лишь свою усеченную фамилию. В 1834 г. братья приехали в Петербург поступать в АХ, но принят был только старший. Он обучался по классу исторической живописи у К. П. Брюллова, однако живописцем не стал: выпущен был в 1839 г. со званием рисовального учителя, а свою творческую судьбу связал с графикой.


Айвазовский Иван Константинович
(1817-1900)

Айвазовский был на диво трудоспособен. Он создал около 6000 произведений. На протяжении десятилетий долгой жизни художника, наполненной неустанным трудом, его творчество не оставалось неизменным. Однако его всегда влекло изображение величественных явлений природы; его морские пейзажи проникнуты романтикой.


Альтман Натан Исаевич
(1889-1970)

Родившийся в провинции и рано лишившийся отца, Н. И. Альтман всего достиг собственными силами и благодаря таланту. Учился он в Одесском художественном училище (1902-07), но оставил его, не удовлетворенный преподаванием, и вернулся в Винницу, где начал работать самостоятельно. В конце 1910 г. он сумел съездить в Париж и пробыл там всего одиннадцать месяцев, но полученных впечатлений ему оказалось достаточно, чтобы завершить профессиональное становление и определить свой путь в искусстве.


Анненков Юрий Павлович
(1889-1974)

Раннее детство Ю. П. Анненкова прошло на далекой Камчатке, куда был отправлен на поселение его отец, бывший член организации "Народная воля". В 1893 г. семья вернулась в Петербург. Дача Анненковых в Куоккале, местечке под Петербургом, находилась недалеко от имения И. Е. Репина. С детства окруженный творческими людьми, будущий художник рано увлекся рисованием.


Архипов (Пыриков) Абрам Ефимович
(1862-1930)

А. Е. Архипов родился на Рязанщине, в крестьянской семье, и не случайно жизнь русского крестьянства стала главной темой его творчества. С детства Архипов рисовал "везде, всегда, всюду, где только можно", как сам вспоминал впоследствии. Мальчик учился у приезжих иконописцев. Один из них, оказавшийся вольнослушателем МУЖВЗ, помог Архипову подготовиться и поступить в это училище.


Бакалович Степан Владиславович
(1857-1936)

С. В. Бакалович родился в семье художника. Мать - известная в Варшаве актриса. Первоначальное художественное образование получил у отца в Варшавской рисовальной школе. В 1876 г. Бакалович приезжает в Петербург и поступает в АХ. Учится блестяще и в 1881 г. заканчивает АХ с большой золотой медалью и правом на пенсионерскую поездку - за картину "Святой Сергий благословляет Дмитрия Донского на битву и отпускает с ним двух иноков".


Бакст (Розенберг) Лев Самойлович
(1866-1924)

Чтобы поступить вольнослушателем в АХ, Л. С. Баксту пришлось преодолеть сопротивление отца, мелкого коммерсанта. Проучился он четыре года (1883-87), но разочаровался в академической подготовке и покинул учебное заведение. Начал заниматься живописью самостоятельно, изучал технику акварели, зарабатывая на жизнь иллюстрированием детских книг и журналов. В 1889 г. художник впервые экспонировал свои работы, приняв псевдоним - сокращенную фамилию бабушки по материнской линии (Бакстер).


Башкирцева Мария Константиновна
(1860-1884)

М. К. Башкирцева родилась в знатной и богатой семье. Девочка была очень болезненна, и в десятилетнем возрасте мать увезла ее в Ниццу. С тех пор она лишь три раза ненадолго приезжала в Россию, живя постоянно за границей и много путешествуя по Европе. В 1877 г. она стала посещать академию Р. Жюлиана в Париже. В 1879 г. получила золотую медаль на конкурсе ученических работ и с этого времени регулярно выставляла свои картины, неизменно встречавшие теплые отзывы французских газет и журналов.


Беггров Александр Карлович
(1841-1914)

Беггров Александр Карлович (1841-1914) — русский живописец, акварелист. Сын русского художника-литографа К. П. Беггрова. Талант к изобразительному искусству обнаружил еще в детстве, но стал морским офицером. С 1870 г. учился у М. Клодта в Академии художеств, курс не завершил. Для продолжения художественного образования уехал во Францию, где в 1871-1874 гг. в Париже учился у А. Боголюбова и Л.Ж. Бонна. В этот период много работал с натуры, писал виды Гавра, Трепора, Конкарно.


Бенуа Александр Николаевич
(1870-1960)

А. В. Бенуа родился в семье известного архитектора и рос в атмосфере почитания искусства, однако художественного образования не получил. Обучался он на юридическом факультете Петербургского университета (1890-94), но при этом самостоятельно изучал историю искусства и занимался рисованием и живописью (главным образом акварельной). Делал он это настолько основательно, что сумел написать главу о русском искусстве для третьего тома "Истории живописи в XIX веке" Р. Мутера, вышедшего в 1894 г. О нем сразу заговорили как о талантливом искусствоведе, перевернувшем устоявшиеся представления о развитии отечественного искусства.


Богаевский Константин Федорович
(1872-1943)

Рисовать начал в раннем детстве, в возрасте шести лет копировал пейзажи со старых олеографий. В Феодосии Богаевский брал уроки у мариниста И. К. Айвазовского, которые заключались главным образом в копировании морских пейзажей знаменитого художника. Учителем его был также художник Фесслер, обучивший мальчика основам рисунка. Много времени начинающий живописец посвятил пленэрной работе, делал зарисовки на улицах города, в его окрестностях, на рыночной площади. Так же упорно трудился молодой художник и в мастерской.


Боголюбов Алексей Петрович
(1824-1896)

Внук А. Радищева, он в 1841 г. окончил Морской кадетский корпус. Уже в эти годы проявилась его страсть к рисованию: все свободное время юноша посвящал карикатурам на своих товарищей и преподавателей. После окончания Морского корпуса в звании мичмана Боголюбов уходит в плавание, что дает ему возможность увидеть чужие страны. Так, в 1847 г. он попадает в Лондон, где посещает художественные галереи. Живопись английских мастеров вызывает в нем огромное восхищение.


Борисов-Мусатов Виктор Эльпидифорович
(1870-1905)

Родился в Саратове. Когда мальчику исполнилось три года, он вследствие несчастного случая сделался горбатым. Незаурядные способности к рисованию проявились у мальчика рано. В 1881 он поступил в саратовское реальное училище, но большую часть времени посвящал занятиям живописью. Его первым педагогом был выпускник петербургской Академии художеств В. Коновалов. В 1890 сдал экзамены в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, но затем переехал в Петербург. Стал вольнослушателем Академии художеств, а затем начал посещать частную мастерскую П. Чистякова, воспитавшего И. Репина, о. Серова, М. Врубеля.


Браз Осип (Иосиф) Эммануилович
(1873-1936)

О. Э. Браз родился и вырос в Одессе. Учиться рисовать он начал в Одесской рисовальной школе у К. К. Костанди; в 1890-94 гг. продолжил образование в Мюнхене, в частной школе венгерского художника Ш. Холлоши. В Мюнхене, а затем во время путешествия по Франции и Голландии он изучал работы старых мастеров, знакомился с современным европейским искусством. Уже сложившимся художником Браз в 1895 г. поступил в Петербургскую АХ, в мастерскую И. Е. Репина.


Бродский Исаак Израилевич
(1883(1884)-1939)

Бродский родился в семье мелкого торговца. Учился в Одесском художественном училище (1896-1902) у Л. Д. Иорини, К. К. Костанди и Г. А. Ладыженского, затем продолжил образование в Высшем художественном училище при Петербургской АХ (1902-08), где занимался у Я. Ф. Ционглинского и И. Е. Репина. В 1909-11 гг. как пенсионер АХ посетил Германию, Францию, Италию, Испанию; в 1910-11 гг. жил на острове Капри у А. М. Горького.


Васильев Владимир Александрович
(1895-)

В пестрой веренице лет далекого детства особенно ярко остался в памяти Владимира Александровича Васильева один чудесный летний день. «Я считаю этот день решающим в моей жизни художника. Я впервые пережил тогда то чувство особого счастья, полноты жизни, которое так часто охватывало меня позднее, когда я стал художником, в те мгновения, когда остаешься один на один с природой и постигаешь ее всегда с каким-то новым и радостным изумлением.


Васнецов Виктор Михайлович
(1848—1926)

Героев русских сказок и былин — находчивого и смелого Иванушку, грустную царевну Несмеяну, мужественных и добрых богатырей, вещего Олега из пушкинской «Песни» — каждый из нас знает и любит с детства. Эту любовь прививают нам не только книги, но и замечательные картины художника-сказочника Виктора Михайловича Васнецова.


Верещагин Василий Васильевич
(1842—1904)

В годы пребывания в Мюнхене создал серию картин на темы туркестанской войны (1869—73), среди них такие известные, как «Апофеоз войны» (1871— 72), «Забытый» (1871), «Смертельно раненый» (1873) и др. Часть картин объединена в сюиту «Варвары» , где Верещагин с огромной силой показал суровый лик войны. Последняя картина сюиты — «Апофеоз войны», — изображающая груду черепов, посвящена художником «всем великим завоевателям, прошедшим, настоящим и будущим».


Врубель Михаил Александрович
(1856—1910)

Михаилу Александровичу Врубелю родители прочили карьеру адвоката. Но страсть к искусству у этого прирожденного живописца была столь сильной, что уже взрослым, окончив университет, он поступил в Академию художеств. Вместе с Серовым он учился у лучшего педагога того времени — П. П. Чистякова, вместе с Серовым он мечтал о новом искусстве. Но Врубелю не пришлось окончить Академию. В 1884 г. из Киева в Петербург приехал известный историк искусства А. В. Прахов и, по совету Чистякова, увез Врубеля в Киев, поручив ему реставрацию старых фресок и новые росписи в Кирилловской церкви. В Киеве художник пробыл пять лет. Это был первый высокий взлет его творчества.


Ге Николай Николаевич
(1831—1894)

Ге Николай Николаевич, выдающийся русский исторический живописец и портретист. Учился в Академии художеств в Петербурге (1850—57) у П. Васина. По окончании Академии художеств был направлен в Италию в качестве пансионера. В поисках сюжета для большой картины создал много эскизов на темы античности и средневековья («Смерть Виргинии», «Любовь весталки», «Разрушение Иерусалимского храма» и др.). С первых самостоятельных шагов в искусстве Ге тяготел к образам этического и философского значения. Традиционные академические сюжеты были окрашены у молодого живописца экспрессией, и в этом чувствовалось влияние К. Брюллова.


Дейнека Александр Александрович
(1899—1969)

Дейнека Александр Александрович, известный советский живописец, график и скульптор. Дейнека родился в Курске. Учился в Харьковском художественном училище у М. Пестрикова (1915— 17), во ВХУТЕМАСе у И. Нивинского и В. Фаворского (1920—25). Член-учредитель Общества станковистов (ОСТ) в 1925—27. Входил в объединение «Октябрь» (1928—30). В середине 20-х появились первые живописные произведения художника: «Футбол» (1924), «В штреке», «Перед спуском в шахту» (1926), «Текстильщицы» (1927), в которых выразились характерные особенности творчества мастеров Общества художников-станковистов, Остовцы считали современным все, что отличало новую Россию от «вчерашней»: подъем индустрии, динамику социальной перестройки, рождение новой социальной психологии.


Дубовской Николай Никанорович
(1859-1918)

В годы учебы в Киевской военной гимназии Дубовской не оставил своего занятия, урок рисования стал его любимым предметом. По совету директора гимназии родители отправили талантливого юношу в Петербург в Академию художеств, где с 1877 г. он обучался у профессора пейзажной живописи М. К. Клодта. За время учебы в Академии Дубовской получил четыре золотые медали. Но молодого художника не устраивала академическая рутина, он стремился к свободе и живому общению с природой и поэтому в 1881 г. покинул Академию


Кандинский Василий Васильевич
(1866—1944)

Кандинский Василий Васильевич, выдающийся русский художник, теоретик «беспредметного искусства». Родился в Москве в семье купца первой гильдии. В 1871 семья переселилась в Одессу, где отец управлял чайной фабрикой. Учился в Одессе в гимназии (1876—85), затем на юридическом факультете Московского университета (1886—92). К тридцати годам (1896) предпринял несколько путешествий по империи, связанных с его научными интересами (в области права, политической экономии, этнографии), публиковался в различных изданиях, готов был занять кафедру в Дерпте. Однако, переменив намерения, решил посвятить себя живописи.


Коровин Константин Алексеевич
(1861-193)

Коровин Константин Алексеевич, известный русский живописец и театральный художник. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества — на архитектурном отделении (1875), а затем (с 1876) на живописном у И. Прянишникова., В, Перова, Л. Саврасова! и В. Поленова. Несколько месяцев (1882—83) учился в петербургской Академии художеств. Заканчивал художественное образование в Училище (1883-1886).


Крамской Иван Николаевич
(1837—1887)

Крамской Иван Николаевич, выдающийся русский живописец и прогрессивный художественный деятель. Родился в Острогожске Воронежской губернии в бедной мещанской семье. Первоначальные знания получил в уездном училище. Рисованием занимался с детства самостоятельно. В шестнадцать лет поступил в ретушеры к одному харьковскому фотографу


Куинджи Архип Иванович
(1842—1910)

А.И. Куинджи был сыном бедного сапожника-грека из Мариуполя, рано осиротел, и всего в жизни ему приходилось добиваться самому. В начале 1860-х годов страсть к рисованию привела его в Петербург, где он дважды пытался поступить в Академию художеств, но безуспешно. Не хватало подготовки, ведь весь свой живописный опыт он приобрел, будучи ретушером в фотографической мастерской.


Кустодиев Борис Михайлович
(1878 - 1927)

Кустодиев Борис Михайлович, выдающийся русский советский живописец, график, театральный художник, скульптор. Родился в Астрахани, на волжских берегах прошли его детство, отрочество и юность. Впоследствии, будучи уже известным живописцем, он подолгу жил в Деревеньке под Кинешмой, построил там дом-мастерскую, названную им «терем». На Волге Кустодиев вырос и возмужал как художник. Волге и волжанам посвятил многие из своих полотен. Родной край дал ему глубокое знание русской жизни и народного быта, любовь к шумным многолюдным ярмаркам гуляньям, балаганам, тем ярким и радостным краскам, которые вошли с ним в русскую живопись.


Лагорио Лев Феликсович
(1827-1905)

Лагорио Лев Феликсович — русский живописец-пейзажист, маринист. Родился в семье неаполитанского консула в Феодосии. Его учителем был И. К. Айвазовский. С 1843 г. Лагорио занимался в Петербурге в Академии художеств у А. И. Зауервейда и М. Н. Воробьева.


Левитан Исаак Ильич
(1861-1900)

Родился в местечке Кибарты в Литве в семье железнодорожного служащего. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1873—74) у А. Саврасова и В, Поленова. С 1884 выступал на выставках Товарищества передвижников; с 1891 - член Товарищества. С 1898 — академик пейзажной живописи. Левитан создал множество замечательных, проникновенных образов русской природы. В его творчестве получило развитие то лирическое начало, которое присуще живописи его учителя и наставника А. Саврасова.


Малевич Казимир Северинович
(1878-1935)

Имя Казимира Малевича стремительно обрело подобающее ему место в истории русского искусства, как только рухнула официальная советская идеология. Произошло это с тем большей легкостью, что великий художник давно завоевал прочную славу за пределами Отечества. Посвященную ему библиографию впору издавать отдельным изданием, и на девять десятых она состоит из книг и статей на иностранных языках: многочисленные исследования на русском стали публиковаться с конца 1980-х годов, когда состоялась первая большая выставка Малевича на родине после десятилетий замалчивания и хулы.


Малютин Сергей Васильевич
(1859-1937)

Родился будущий художник 22 сентября 1859 года в московской купеческой семье. Оставшись трех лет круглым сиротой, он воспитывался в доме тетки, жены мелкого чиновника. Мальчика отдали в коммерческое училище, а затем на бухгалтерские курсы, после окончания которых определили служить конторщиком в Воронеж. Художественные наклонности проявились у него рано. Но окружающая обстановка мало способствовала их развитию. Только в конце 1870-х годов, попав на открывшуюся в Воронеже передвижную выставку, Малютин впервые увидел подлинную живопись. Давние неопределенные мечтания обрели конкретность: пришло решение, несмотря ни на какие трудности, стать художником.


Нестеров Михаил Васильевич
(1862— 1942)

Нестеров Михаил Васильевич, выдающийся русский советский художник. Родился в Уфе в купеческой семье. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1877— 86) и в Академии художеств у В. Перова, И. Прянишникова и П. Чистякова. Первоначально пробовал себя в бытовом жанре: «Жертва приятелей» (1881), «Экзамен в сельской школе» (1884). В 1882 он женился на Марии Мартыновой, которая умерла в 1885 от родов. Эта трагедия сильно повлияла на все дальнейшее творчество художника. Он бросил легковесные жанры и обратился к историко - религиозной тематике.


Перов Василий Григорьевич
(1834-1882)

Одним из зачинателей реалистической живописи 60-х годов был Василий Григорьевич Перов - продолжатель обличительных тенденций Федотова. В волнениях и тревогах российской жизни находит он почву для своего творчества, ту питательную среду, без которой не может существовать художник. Перов смело и открыто бросается в бой, обличая фальшь и лицемерие церковных обрядов ( «Сельский крестный ход на пасхе» , 1861), тунеядство и порочность попов и монахов ( «Чаепитие в Мытищах» , 1862; обе в Третьяковской галерее в Москве).


Поленов Василий Дмитриевич
(1844— 1927)

Родился в Петербурге в художественной семье. Мать — художница, отец — знаменитый археолог и библиограф, член Академии наук, знаток и любитель искусств. В детстве обучался музыке. Окончил гимназию в Петрозаводске и поступил в Академию художеств (1863) в класс исторической живописи и одновременно на юридический факультет Петербургского университета. Однако он не бросил и занятий музыкой и некоторое время пел в Академическом хоре. Еще в годы учебы посетил Германию и Францию, восхищаясь Р. Вагнером и Ж. Оффенбахом.


Репин Илья Ефимович
(1844—1933)

Репин Илья Ефимович, выдающийся русский художник, представитель демократического реализма. Родился в Чугуеве Харьковской губернии в семье военного поселенца. В тринадцать лет начал учиться живописи в Чугуеве у художника Н. Бунакова. Работал в иконописных артелях. В 1863 приехал в Петербург и поступил в Рисовальную школу Общества поощрения художеств. Встретился с И. Крамским, который стал наставником молодого художника на долгие годы.


Рерих Николай Константинович
(1874— 1947)

Рерих Николай Константинович, выдающийся русский художник, искусствовед, археолог и общественный деятель. Родился в Петербурге. Учился в Петербурге в гимназии Мея (1883—93). Брал уроки рисования у М. Микешина. Окончил юридический факультет Петербургского университета (1893—96) и живописное отделение Академии художеств (1893—97) по классу А. Куинджи. Последний стремился развить в своих учениках чувство декоративности цвета. Не отказываясь от работы с натуры, он настаивал, чтобы картины писались по памяти. Художник должен был вынашивать замысел картины.


Савицкий Константин Аполлонович
(1844—1905)

Савицкий Константин Аполлонович, русский живописец и жанрист. Родился в Таганроге в семье военного врача. В 1862 поступил в Академию художеств в Петербурге, но вследствие недостаточной подготовленности был вынужден уйти и после двух лет усиленной самостоятельной работы в 1864 снова поступил в Академию. В 1871 получил малую золотую медаль за картину «Каин и Авель». Уже в академические годы был близок к Художественной артели И. Крамского, а позднее к Товариществу передвижных художественных выставок и экспонировался на 2-й передвижной выставке (1873). Это возбудило недовольство администрации Академии, которая, придравшись к первому попавшемуся поводу (не сданный в срок из-за женитьбы экзамен), исключила Савицкого из Академии (1873).


Саврасов Алексей Кондратьевич
(1830-1890)

Есть картины, без которых немыслимо представить русское искусство, так же как нельзя представить русскую литературу без «Войны и мира» Толстого, «Евгения Онегина» Пушкина, И это не обязательно должно быть большое и сложное произведение. Такой подлинной жемчужиной русской пейзажной живописи стала маленькая скромная картина Алексея Кондратьевича Саврасова (1830—1897) «Грачи прилетели». Она появилась на первой выставке Товарищества передвижников 1871 года.


Серов Валентин Александрович
(1865-1911)

Еще при жизни В. А. Серова, а тем более после его смерти историки искусства и художники спорили — кто же Серов: последний живописец старой школы XIX в. или представитель нового искусства? Правильней всего на этот вопрос было бы ответить так: и то и другое. Серов традиционен; в истории русской живописи его можно было бы назвать сыном Репина. Но ведь подлинные продолжатели традиций не останавливаются на месте, а идут вперед и ищут. Серов искал больше, чем другие. Ему неизвестно было чувство удовлетворенности. Он был все время в пути. Поэтому он и стал тем художником, который органично соединил искусство XIX и XX столетий.


Суриков Василий Иванович
(1848—1916)

Суриков Василий Иванович, выдающийся русский исторический живописец и жанрист. «Идеалы исторических типов воспитала во мне Сибирь». Родился в Красноярске в семье казачьего офицера. Отец его, страстный любитель музыки, великолепно играл на гитаре и считался лучшим певцом Красноярска. Мать была прекрасной вышивальщицей.


Федотов Павел Андреевич
(1815-1852)

Павел Андреевич Федотов родился в Москве 22 июня 1815 года. Отец служил чиновником и каждое утро уходил на службу. Семья Федотовых была большая, жили небогато, но особой нужды не испытывали. Соседи кругом были люди простые — мелкие чиновники, отставные военные, небогатые купцы. Особенно дружен был Павлуша Федотов с сыновьями капитана Головачева, которые жили напротив, а маленькая сестренка, «востроглазая Любочка», как он ее называл, дружила с Катенькой Головачевой, своей ровесницей.


Шишкин Иван Иванович
(1832—1898)

Войдите в зал Третьяковской галереи, где висят картины Ивана Ивановича Шишкина, и вам покажется, будто повеяло влажным дыханием леса, свежим ветром полей, стало солнечнее и светлее. На картинах Шишкина мы видим то раннее утро в лесу после ночной бури, то бескрайние просторы полей с убегающей к горизонту тропинкой, то таинственный полумрак лесной чащи.


Юон Константин Федорович
(1875-1958)

Судьба всячески благоволила К. Ф. Юону. Он прожил долгую жизнь. У него был на редкость счастливый брак. Окружающие любили его. Ему никогда не приходилось бороться с нуждой. Успех пришел к нему очень рано и всегда ему сопутствовал. После революции почести, высокие награды, звания, руководящие должности как бы искали его сами. Невзгод было меньше - это размолвка в течение нескольких лет с отцом (служащим банка) из-за женитьбы Юона на крестьянке и ранняя смерть одного из сыновей.


XX
Русские художники

Акимов Николай Павлович
(1901-1968)

Н. П. Акимов попал в Петербург совсем юным, и почти вся его жизнь оказалась прочно связанной с этим городом. Обучался он в студии С. М. Зейденберга (1915-18), через несколько лет поступил в АХ, но оставил ее, не доучившись. Занимался книжной графикой и успел создать себе имя, но по-настоящему нашел себя в сценографии. Работа в театре настолько увлекла его, что в конце 1920-х гг. он обратился и к режиссуре, сделав ее второй, если не первой, профессией: в 1933 г. возглавил Ленинградский мюзик-холл, а в 1935-м - знаменитый Ленинградский театр комедии, художественным руководителем которого оставался до самой смерти (кроме 1949-55 гг., когда был вынужден перейти в другой коллектив).


Нисский Георгий Григорьевич
(1903-1987)

Детство художника прошло на маленькой железнодорожной станции близ Гомеля. Местный живописец В. Зорин, увидевший рисунки юноши, посоветовал ему продолжить занятия изобразительным искусством. Вняв совету, Нисский поступил в гомельскую Студию изобразительных искусств имени М. Врубеля. Его способности заметили и в 1921 г. направили в Москву на подготовительные курсы при Высших художественно-технических мастерских В 1923 г. Нисский перешел на живописное отделение, где его учителями были А. Д. Древин и Р. Р. Фальк.


Пахомов Алексей Федорович
(1900-1973)

В Вологодской области возле города Кадникова на берегу реки Кубены раскинулось село Варламове. Там 19 сентября (2 октября) 1900 года у крестьянки Ефимии Петровны Пахомовой родился мальчик, которого назвали Алексеем. Его отец, Федор Дмитриевич, происходил из «удельных» землепашцев, не знавших в прошлом ужасов крепостного права. Это обстоятельство играло не последнюю роль в жизненном укладе и преобладающих особенностях характера, выработало умение держаться просто, спокойно, с достоинством.

"Оригинальный урок рисования - Домик в глуши"

Дата добавления: 2011-05-11
Просмотров: 25


В этом уроке мы попробуем оригинальную и несложную технику рисования. Нам понадобиться спички, плотная бумага, стирательная резинка. Первый шаг – закоптите лист бумаги, огоньком вводи быстро по всей бумаге.


смотреть уроhttps://www.blogger.com/blogger.g?blogID=1940965405613562037#editor/src=sidebar

"Декоративный рисунок на чайном пакетике"

Дата добавления: 2011-06-03
Просмотров: 1904


Всем привет! В этом уроке я хочу продемонстрировать Вам, интересный способ художественного декорирования. Чайный пакетик делают из очень тонкой бумаги, после чайных разводов она становится будто состаренной.


смотреть урок


"Оригинальный урок рисования - Домик в глуши"

Дата добавления: 2011-05-11
Просмотров: 25


В этом уроке мы попробуем оригинальную и несложную технику рисования. Нам понадобиться спички, плотная бумага, стирательная резинка. Первый шаг – закоптите лист бумаги, огоньком вводи быстро по всей бумаге.


смотреть урок


"Рисуем углем "Мишка Teddy""

Дата добавления: 2010-11-01
Просмотров: 477


Первый шаг - вырезаем кусочек самоклеющейся бумаги размером с блокнотый листочек, который у нас будет «прикреплен» к «доске». Наклеиваем этот кусочек на акварельный лист бумаги.


смотреть урок

Проецирование на три взаимно перпендикулярные плоскости проекции

Существует множество деталей, информацию о форме которых невозможно передать двумя проекциями чертежа (рис. 75).

Для того чтобы информация о сложной форме детали была представлена достаточно полно, используют проецирование на три взаимно перпендикулярные плоскости проекции: фронтальную — V, горизонтальную — H и профильную — W (читается «дубль вэ»).

Система плоскостей проекций представляет собой трехгранный угол с вершиной в точке О. Пересечения плоскостей трех­гранного угла образуют прямые линии — оси проекций (OX, OY, OZ) (рис. 76).

В трехгранный угол помещают предмет так, чтобы его формообразующая грань и основание были бы параллельны соответст­венно фронтальной и горизонтальной плоскостям проекций. Затем через все точки предмета проводят проецирующие лучи, перпендикулярные всем трем плоскостям проекций, на которых получают фронтальную, горизонтальную и профильную проекции предмета. После проецирования предмет удаляют из трехгранного угла, а затем горизонтальную и профильную плоскости проекций поворачивают на 90* соответственно вокруг осей ОХ и OZ до совмещения с фронтальной плоскостью проекции и получают чертеж детали, содержащий три проекции.



Рис. 75. Проецирование на две плоскости проекций не всегда дает
полное представление о форме предмета





Рис. 76. Проецирование на три взаимно перпендикулярные
плоскости проекций



Три проекции чертежа взаимосвязаны друг с другом. Фронтальная и горизонтальная проекции сохраняют проекционную связь изображений, т. е. устанавливаются проекционные связи и между фронтальной и горизонтальной, фронтальной и профильной, а также горизонтальной и профильной проекциями (см. рис. 76). Линии проекционной связи определяют местоположение каждой проекции на поле чертежа.

Во миогнх странах мира принята другая система прямо- угольного проецирования на три взаимно перпендикулярные плоскости проекций, которая условно называется «американская» (см. Приложение 3). Основное eе отличие состоит в том, что по-иному, относительно проецируемого объекта, в пространстве располагается трехгранный угол и в других направлениях разворачиваются плоскости проекций. Поэтому горизонтальная проекция оказывается над фронтальной, а профильная проекция — справа от фронтальной.

Форма большинства предметов представляет собой сочетание различных геометрических тел или их частей. Следовательно, для чтения и выполнения чертежей нужно знать, как изображаются геометрические тела в системе трех проекций на производстве (табл. 7). (Чертежи, содержащие три проекции, называются комплексными чертежами.)

7. Комплексные и производственные чертежи деталей простой геометрической формы







П p и м e ч а н и я: 1. В зависимости от особенностей производственного процесса на чертеже изображают определенное число проекций. 2. На чертежах принято давать наименьшее, но достаточное число изображений для определения формы предмета. Число изображений чертежа можно уменьшить, используя условные знаки s, l, ? которых вы уже знаете.

Дорогие друзья!

Если Вы отправили рисунок на конкурс, но не нашли его на сайте для голосования,

звоните по телефону 326 - 17 - 43.

В связи с большим объемом входящих писем и перегруженностью почты

Ваше письмо возможно не прошло.

Обращаем Ваше внимание, что по условиям конкурса будут рассматриваться работы детей в возрасте от 10 до 17 лет.

Открытый Всероссийский конкурс детского патриотического рисунка

«МОЯ ВЕЛИКАЯ РОДИНА» посвящен празднованию 270-летия со дня основания Императорского фарфорового завода и проводимому в 2014 году в Российской Федерации Году культуры.
Цель проекта

Конкурс направлен на развитие и укрепление у детей и подростков любви к Родине – гордости за великое прошлое России, чувства сопричастности к культуре, к традициям нашей страны, любви к природе России, на формирование у молодежи чувства патриотизма и национального самосознания при выборе вектора самостоятельного личностного развития.
Задачи проекта
Выявление художественных талантов у детей и подростков, развитие художественного вкуса и творческого подхода к выбору темы, наиболее полно отражающей величие России.
Популяризация культурного наследия России – произведений Императорского фарфорового завода, созданного в 1744 году по указу императрицы Елизаветы и до наших дней сохранившего великие традиции мастеров прошлого. Фарфор производства ИФЗ известен далеко за пределами нашей страны, украшает музеи и королевские дворцы во всем мире, это – подлинная гордость России.
Организаторы конкурса

Организаторами конкурса являются:
Межрегиональный Общественный Фонд «Центр Национальной Славы»;
ОАО «Императорский фарфоровый завод»;
Благотворительный детский фонд «Виктория».
Участники конкурса

В конкурсе могут принять участие все желающие дети и подростки в возрасте от 10 до 17 лет – учащиеся образовательных учреждений субъектов Российской Федерации, воспитанники детских домов, других детских организаций.
Тематическое содержание конкурса

Россия – страна с великой и многогранной историей, с целой плеядой великих полководцев, политических деятелей, путешественников, внесших наибольший вклад в развитие российской государственности, величайших писателей, художников, композиторов. Чувство патриотизма неразрывно связано также в сознании каждого с любовью к своей «малой» Родине, к пейзажам своего родного уголка, к прекрасной природе России.

Дети могут выбрать любую тему для рисунка, будь то
«Великий соотечественник».
«Знаменательная дата в истории России».
«Пейзаж любимой Родины»

Или другую похожую тему – главное, чтобы во время создания рисунка в ваших помыслах была любовь к Отечеству, преданность ему, и вы сумели бы донести эти чувства до зрителя.

На основе вышеизложенного участники самостоятельно определяют тему своей конкурсной работы, отражая в ней собственное отношение к великим датам в истории России, к избранным героям, или выбрав в качестве темы прекрасный пейзаж или памятник архитектуры.

Какую тему бы вы не выбрали – Конкурс даст вам возможность реализовать свой творческий потенциал.
Номинации конкурса
Три лучших рисунка по решению жюри.
Три лучших рисунка по результатам голосования на сайте ipm.ru.
Организационная поддержка конкурса

Для обеспечения проведения конкурса формируются рабочая группа и жюри конкурса.

Рабочая группа решает вопросы по организации проведения конкурса, осуществляет сбор и учет представляемых конкурсных работ, занимается обработкой присланных работ и размещением их на сайте, ведет подсчет по голосованию посетителей сайта, направляет работы на рассмотрение жюри, при необходимости консультирует участников конкурса.

Организует публикацию на сайте результатов конкурса.

Также к функциям рабочей группы относятся и организация премирования конкурсантов: координация действий по изготовлению призов (фарфоровых изделий с нанесенными рисунками победителей), и по подготовке приезда победителей в Санкт-Петербург.

Жюри конкурса рассматривает присланные на конкурс рисунки, совместно принимает решение по определению 3х лучших работ и по распределению мест среди них.
Порядок оценки конкурсных работ членами жюри

Оценка результатов конкурса проводится с учетом следующих критериев качества конкурсных работ:
Соответствие содержания объявленной тематике, уровень раскрытия темы.
Оригинальность творческой работы.
Техника выполнения.
Регламент проведения конкурса

Каждый участник может прислать на конкурс не более 1 рисунка.

Рисунок можете направлять сразу, как он будет закончен, начало поступления рисунков не регламентируется.

Размер рисунка: рисунок не должен превышать размер 297 х 297 (квадратная часть формата А3).

Отсканированный рисунок либо его цветная фотография должны быть направлены не позднее 20.01.2015 на электронный адрес konkurs@ipm.ru.

Также рисунок можно отправить по почте по адресу:

Императорский фарфоровый завод, «На конкурс», 192171, Санкт-Петербург, проспект Обуховской обороны, д.151. На конверте напишите КОНКУРС.

Рекомендуем отправку по почте не позднее не позднее 05.01.2015, поскольку

рисунки, пришедшие по почте и на электронный адрес после 20.01.2015, в конкурсе участвовать не будут.

Оригинал рисунка надо сохранять до объявления результатов – до 24.02. 2015 г.

Всем конкурсантам будет выслан Сертификат активного участника конкурса для профессионального портфолио ученика и преподавателя. Храните сертификат, это важно для поступления в ВУЗ.

К электронному или почтовому отправлению обязательно следует приложить анкету участника: указать имя и фамилию, дату рождения, место учебы: класс и учебное заведение участника (с адресом), фамилию, имя и отчество классного руководителя, а также полный подробный домашний адрес, включая почтовый индекс, и телефон для связи, вместе с телефонным кодом населенного пункта, по возможности – электронный адрес. Анкету можно заполнить самостоятельно, либо скачать готовую форму с сайта www.ipm.ru на вкладке «КОНКУРС».

Присланные на конкурс работы не возвращаются.

Поступление материалов в жюри конкурса рассматривается как согласие автора на возможную публикацию с соблюдением авторских прав
Голосование на сайте

Начиная с 18 сентября 2014 – со дня 270-летия Императорского фарфорового завода, и до 05.02.2015 рисунки участников будут публиковаться на сайте ipm.ru на вкладке «КОНКУРС».

Посетители сайта смогут проголосовать за лучшую, по их мнению, работу, непосредственно на сайте до 10.02.2015. Голоса посетителей, поступившие на сайт после этой даты – не учитываются.

24 февраля 2015 годана сайте будут опубликованы имена шестерых победителей: имена трех победителей по версии жюри конкурса, и трех – по результатам голосования посетителей сайта.
Награждение победителей

После подведения результатов конкурса 6 лучших рисунков будут запечатлены на фарфоровых памятных декоративных тарелках производства ОАО ИФЗ.

Тарелки будут изготовлены безвозмездно и переданы авторам. Для этого на завод необходимо будет переслать оригиналы рисунков либо сканы высокого качества.

6 участников, занявших 1, 2 и 3 место в каждой из 2х номинаций (по версии жюри и по результатам голосования) будут приглашены в конце марта - в весенние каникулы 2015 года в сопровождение родителей в Санкт-Петербург на Императорский фарфоровый завод. Дети побывают на экскурсии по заводу, примут участие в специально организованном мастер-классе, а также на обзорной экскурсии по городу.
Выставка работ

30 лучших работ, отобранных Художественным советом ОАО «Императорский фарфоровый завод», будут начиная с февраля выставляться в Галереях ОАО «ИФЗ» в Санкт-Петербурге (по адресу проспект Обуховской обороны, д.151) и в Москве (по адресу«Кутузовский проспект, д.17), начиная с февраля 2015.
Состав жюри конкурса

Председатель жюри: Н. Л. Петрова,

заслуженный художник РФ, главный художник ОАО «ИФЗ».

Члены жюри:
Президент Санкт-Петербургской художественно-промышленной академии, народный художник РФ А. Ю. Талащук
Генеральный директор ОАО «ИФЗ»Т.А. Тылевич
Генеральный директор детского фонда «Виктория» Т.Д. Летунова

Телефоны для связи с рабочей группой :

Богданова Евгения
Тел.: +7 (812) 326- 17- 43

http://persones.ru/person-cat-2.html Знаменитые зодчие.

Знаменитые архитекторы Виктор Генералов Viktor Generalov
23 марта 1947, знак зодиака овен Россия. Российская Федерация
Виктор Генералов - советский и российский архитектор. Родился 23 марта 1947 года. В 1974 году Виктор Генералов окончил архитектурный факультет Ново...
Голосовать 120 Обсудить
Антонио Гауди-и-Курнет Antonio Gaudi-i-Cornet
25 июня 1852, знак зодиака рак Испания
Антонио Гауди - известный на весь мир каталонский архитектор. Родился 25 июня 1852 года. Антонио Гауди известен как автор причудливо-фантастических...
Голосовать 52 Обсудить
Владимир Шухов Vladimir Suhov
28 июля 1853, знак зодиака лев Курская губерния , Россия. Российская Федерация
Владимир Шухов - выдающийся русский инженер, изобретатель, учёный. Родился 28 июля 1853 года. Владимир Шухов разработал и построил первые нефтепро...
Голосовать 23 Обсудить
Шарль Ле Корбюзье Sharl Le Corbusier
6 октября 1887, знак зодиака весы Ла-Шо-де-Фон, Швейцария
Шарль Ле Корбюзье - французский архитектор и теоретик архитектуры. Родился 6 октября 1887 года в Швейцарии. В современной технике и серийнос...
Голосовать 20 Обсудить
Заха Хадид Zaha Hadid
31 октября 1950, знак зодиака скорпион Багдад, Ирак
Заха Хадид - британский архитектор арабского происхождения. Родилась 31 октября 1950 года в Ираке. Кроме работы с крупными формами, Заха Хадид соз...
Голосовать 16 Обсудить
Франческо Растрелли Francesco Bartolomeo Rastrelli
0 1700, знак зодиака Париж, Франция
Франческо Растрелли - русский архитектор итальянского происхождения, академик архитектуры Императорской Академии художеств. Родился в 1700 году в Пари...
Голосовать 16 Обсудить
Семён Расторгуев Semen Rastorguev
26 марта 1981, знак зодиака овен Ярославль, Россия. Российская Федерация
Семён Расторгуев - российский архитектор. Родился в 1981 году в Ярославле. В настоящее время Семён Расторгуев работает в архитектурном бюро «...
Голосовать 16 Обсудить
Роберт Адам Robert Adam
3 июля 1728, знак зодиака рак
Роберт Адам - известный шотландский архитектор. Родился 3 июля 1728 года. Роберт Адам является одним из выдающихся представителей британского клас...
Голосовать 14 Обсудить
Кензо Танге Kenzo Tange
4 сентября 1913, знак зодиака дева Япония
Во всех поисках и заблуждениях Танге неизменно остается большим художником. И результаты его творчества - как у любого подлинного художника - значител...
Голосовать 12 Обсудить
Александр Аксарин Aleksandr Aksarin
24 ноября 1961, знак зодиака стрелец Россия. Российская Федерация
Александр Аксарин - российский архитектор, член Союза Архитекторов России. Родился 24 ноября 1961 года. В 1984 г. Александр Аксарин окончил архите...
Голосовать 12 Обсудить


предыдущая
следующая

стили архитектуры.http://studio.lifehouse.ru/studio-articles/38-ctili-arxitektury

Cтили архитектуры





Архитектурный стиль — совокупность основных черт и признаков архитектуры определённого времени и места, проявляющихся в особенностях её функциональной, конструктивной и художественной сторон (приёмы построения планов и объёмов композиций зданий, строительные материалы и конструкции, формы и отделка фасадов, декоративное оформление интерьеров; входит в общее понятие стиля как художественного мировоззрения, охватывающего все стороны искусства и культуры общества в определённых условиях его социального и экономического развития; совокупность главных идейно-художественных особенностей творчества мастера.





Ампир







Ампир (от фр. empire — империя) — стиль в архитектуре и искусстве (главным образом декоративном) трёх первых десятилетий XIX века, завершающий эволюцию классицизма. Ориентируясь как и классицизм, на образцы античного искусства, ампир включил в их круг художественное наследие архаической Греции и имперского Рима, черпая из него мотивы для воплощения величественной мощи и воинской силы: монументальные формы массивных портиков (преимущественно дорического и тосканского ордеров), военную эмблематику в архитектурных деталях и декоре (ликторские связки, воинские доспехи, лавровые венки, орлы и т. п.). Ампир включил в себя также отдельные древнеегипетские архитектурные и пластические мотивы (большие нерасчленённые плоскости стен и пилонов, массивные геометрические объёмы, египетский орнамент, стилизованные сфинксы и т. п.).





Амстердамская школа







Амстердамская школа (нидерл. Amsterdamse School) — архитектурный стиль, возникший и развивавшийся в Нидерландах в первой трети XX века. Вдохновлённый социалистическими идеями, этот стиль применялся при строительстве зданий самого разного назначения, в том числе особняков и многоквартирных домов. На архитектуру Амстердамской школы оказали влияние как неоготика и архитектура эпохи Возрождения, так и работы выдающегося нидерландского архитектора Хендрика Петрюса Берлаге.
Постройки Амстердамской школы, испытавшие влияние экспрессионизма, часто имели закруглённую, «органическую» форму фасадов и множественные декоративные элементы, не носившие функционального назначения: шпили, скульптурные изображения и окна с горизонтальной «расстекловкой», напоминавшей лестницу.





Ар-деко







Ар-деко (фр. art deco букв. «декоративное искусство», из Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes — «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств» 1925 г. Париж) — течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи. Представляло собой синтез модерна и неоклассицизма. Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма, в то время, как в странах с тоталитарными режимами (Третий рейх, СССР и др.) ар-деко превращается в «новый ампир». В советской архитектуре в период постконструктивизма были позаимствованы многие элементы ар-деко (напр. гостиница «Москва»).





Архитектура Возрождения





Архитектура Возрождения — период развития архитектуры в европейских странах с начала XV до начала XVII века, в общем течении Возрождения и развития основ духовной и материальной культуры Древней Греции и Рима. Этот период является переломным моментом в Истории Архитектуры, в особенности по отношению к предшествующему архитектурному стилю, к Готике. Готика в отличие от архитектуры Возрождения искала вдохновение в собственной интерпретации Классического искусства. Особенное значение в этом направлении придаётся формам античной архитектуры: симметрии, пропорции, геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры. Сложная пропорция средневековых зданий сменяется упорядоченным расположением колонн, пилястр и притолок, на смену несимметричным очертаниям приходит полукруг арки, полусфера купола, ниши, эдикулы.







Барокко





Барокко (итал. barocco — «странный», «причудливый»; порт. perola barroca — «жемчужина неправильной формы»; существуют и другие предположения о происхождении этого слова) — характеристика европейской культуры XVII—XVIII веков, центром которой была Франция. Стиль барокко появился в XVI—XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Именно эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации».Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б. Ф. Растрелли в России) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко — теламон (атлант), кариатида, маскарон.
Русское барокко (также елизаветинское, растреллиевское) — стиль в искусстве (в первую очередь, в архитектуре, скульптуре и живописи); российская «реплика» европейского стиля барокко в полной мере сложившаяся в русском искусстве к концу первой половины XVIII века.
Этот стиль, тяготевший к созданию героизированных образов, к прославлению могущества Российской империи, наиболее ярко проявился в середине XVIII века в архитектурных сооружениях одного из крупнейших зодчих этого направления — Ф. Б. Растрелли. По его проектам созданы величественные дворцовые ансамбли в Петербурге (Зимний, 1754—1762; Строгановский дворец, 1752—1754) и в Петергофе (1746—1775), в Царском Селе (Екатерининский дворец, 1747—1757). Грандиозные масштабы зданий, необычайное богатство и пышность декоративного убранства, двух- и трехцветная раскраска фасадов с применением золота — все это поражало воображение зрителей, вызывая их искреннее восхищение. Торжественный, праздничный характер архитектуры Растрелли наложил отпечаток на всё искусство середины XVIII века.
В Петербурге и Москве в эти же годы трудилась плеяда замечательных русских зодчих — крепостной архитектор Ф. С. Аргунов, С. И. Чевакинский, А. В. Квасов и др.





Био-тек





Био-тек — архитектурное движение, находящееся пока на стадии написания манифестов. В противоположеность хай-теку, архитектурная выразительность конструкций зданий био-тека достигается заимствованием природных форм. Однако, прямое копирование природных форм не приносит положительных результатов так как в архитектурном сооружении появляются нефункциональные зоны. Следует отметить, что концепция био-тека предполагает не только опосредованное, но и прямое использование форм живой природы в архитектуре (в виде элементов природного ландшафта, живых растений).
Данное движение находится в процессе становления и его исследовательская составляющая преобладает над практической. Главное противоречие архитектурной бионики: консервативная прямоугольная планировка и конструктивная схема зданий противостоит биоморфным криволинейным формам, оболочкам, самоподобным фрактальным формам. Достойное эстетическое и экономически-оправданное решение этого противоречия — одна из основных задач био-тека.





Брутализм





Брутализм — архитектурное направление, отправной точкой для которого стали послевоенные проекты Ле Корбюзье — «жилая единица» в Марселе (1947-52) и здание секретариата в Чандигархе (1953). Название стиля было образовано британскими архитекторами Элисон и Питером Смитсон от французского термина «beton brut» — «необработанный бетон».
Архитекторы-бруталисты всячески подчёркивали грубую фактуру бетона, которую не считали нужным скрывать ни штукатуркой, ни облицовкой, ни покраской. Предпочитали нарочито тяжёлые, монотонные, прямолинейные формы («дома-коробки»). Лёгкости и гладкости «интернационального стиля» были противопоставлены тяжеловесность конструкций и шершавость монохромных поверхностей.
Брутализм получил наибольшее распространение в Великобритании (особенно в 1960-е гг.) и в СССР (особенно в 1980-е гг.) Многие сторонники этого стиля исповедовали социалистические взгляды, выделяя среди его достоинств не только дешевизну строительства (особенно актуальную в первые послевоенные годы), но и бескомпромиссную антибуржуазность и «честность» этого стиля.





Георгианская архитектура





Георгианская архитектура англ. Georgian architecture) — широко распространённое в англоязычных странах обозначение архитектуры, характерной для Георгианской эпохи, которая охватывает практически весь XVIII век. Этот термин бытует как самое общее обозначение английской архитектуры XVIII века, подобно тому как всё многообразие эклектической архитектуры XIX века пытаются охватить термином «викторианская архитектура».особенностям георгианства относятся симметричная планировка здания при его проектировании. Фасады домов в георгианском стиле сложены из плоских красных (в Великобритании) или разноцветных кирпичей (в США и в Канаде) и отштукатуренного белого орнамента. Орнамент, как правило, сделан в виде искусно выполненных арок и пилястров. Входные дверы окрашены в различные цвета и в своей верхней части оснащены пропускающими свет, открывающимися окошками. Здания окружены со всех сторон цоколем.





Деконструктивизм





Деконструктивизм — направление в современной архитектуре, оформившееся как самостоятельное течение в конце 1980-х годов в Америке и Европе и затем распространившееся в том или ином виде по всему миру. Деконструктивизм неразрывно связан с культурой посмодерна, однако принято различать постмодернистскую архитектуру и архитектуру деконструктивистскую. Более того, архитекторы, причисляемые к деконструктиизму, часто отказываются от подобного определения своих работ, что, впрочем, соответствует самому духу деконструктивизма, которому присуще нежелание быть ограниченым какой-либо классификацией или определением, стремление к постоянной изменчивости и поиску иных форм самовыражения.
В теориях есть различия и достаточно значительные, но при этом между этими двумя концепциями много общего. Чарльз Дженкс, например, часто причисляет крупнейшего американского архитектора и теоретика деконструктивизма Питера Айзенмана к постмодернизму (от чего сам Айзенман отказывается, настаивая на том, что деконструктивизм — отличен во многом от постмодернизма[1]). Впрочем, если рассматривать оба направления на уровне теорий, то больше мы обнаружим сходства, чем различий. Можно говорить о том, что деконструктивизм — часть постмодернизма, но с несколько иным отношением к наследию модернизма, более тесной связью с архитектурными теориями начала 20 века, а также с более радикальным (часто даже агрессивным) отношением к потребителю, более глубоким исследованием проблем современной архитектуры, поиском новых форм (но не игрой с историческими формами, чем занимается большинство архитекторов, считающих себя постмодернистами). Возможно, деконструктивистская архитектура самая сложная и отдаленная от массового потребителя, это архитектура мегаполисов и «нового поколения», материальное воплощение экзистенциализма.
Деконструктивистская теория отличается от постмодернизма (если говорить достаточно глобально) тем, что деконструктивизм размывает и разрушает общую картину мира, наиболее ярким воплощением которой является архитектура. Постмодернизм все же больше некое настроение современной культуры, которое сказывается чаще в практике искусства и жизни. Что же касается архитектуры, то здесь постмодернизм сказывается более мягко, игриво, по сути, он не переворачивает всех представлений об архитектуре, главное его достижение — критика принципов модернизма, но не создание небывалой, «другой» архитектуры.
Деконструктивисты превращают архитектуру в способ исследования современного мира, в интуитивное искусство, похожее на поэзию, которая не призвана удовлетворять каким-либо потребностям или репрезентировать какую-то функцию. Часто архитекторы-деконструктивисты не делают различий между реальными объектами и планами и чертежами — все равноценно, что также является пересмотром архитектуры, отказом от иерархии.





Индо-сарацинский стиль





Индо-сарацинский стиль — один из ретроспективных стилей эпохи архитектурной эклектики, который распространился в Британской Индии в правление королевы Виктории. По сути играл в Индии ту же роль национальной альтернативы универсальному классицизму и его продолжениям, что и неоготика в Европе и английских колониях или псевдорусский стиль в России.
На примере таких бомбейских сооружений, как вокзал Виктории и ворота в Индию, можно выделить основные черты индо-сарацинского стиля. На здания, европейские по функциональному назначению и общему силуэту, накладывался причудливый декор, позаимствованный из репертуара архитектуры мусульманской Индии — преимущественно могольской. Возрождая архитектурное наследие Великих Моголов, британское правительство стремилось показать преемственность своего правления. Интернациональный стиль — ведущее направление модернистской архитектурной мысли периода 1930-60-х гг. Пионерами интернационального стиля были Вальтер Гропиус, Петер Беренс и Ханс Хопп в Германии, наиболее яркими и последовательными представителями — Ле Корбюзье (Франция), Мис ван дер Роэ (Германия-США) и Якобус Ауд (Нидерланды).
Эстетика интернационального стиля требовала отказа от национальных культурных особенностей и всяческих разновидностей исторического декора в пользу прямых линий и других чистых геометрических форм, лёгких и гладких поверхностей из стекла и металла. Излюбленным материалом стал железобетон, в интерьерах ценились широкие открытые пространства. Это была архитектура индустриального общества, которая не скрывала своего утилитарного предназначения и способности экономить на «архитектурных излишествах». Неофициальным девизом движения был предложенный Мис ван дер Роэ парадокс: The less is more («чем меньше — тем больше»).





Классицизм





Классицизм (фр. classicisme, от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве XVII—XIX вв.Главной чертой архитектуры классицизма было обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. Архитектуре классицизма в целом присуща регулярность планировки и четкость объемной формы. Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. Для классицизма свойственны симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов.





Стиль косматеско





Стиль косматеско — декоративный стиль в архитектуре, типичный для средневековой Италии и в особенности Рима. Стиль характерен для скульптуры, а также предметов религиозной обстановки (колонны, надгробия, канделябры, порталы и т. д.) и предполагает широкое использование штучной мозаики. Примечательны полы в стиле косматеско из белого мрамора с инкрустациями в виде геометрических узоров (квадраты, параллелограммы, круги из темного мрамора), окруженных полосами из красного и зелёного порфира. Материалом для работ Косматов часто служили античные колонны. Слово «косматеско» происходит от фамилии семьи мраморщиков Космати (итал. Cosmati), предствители которой работали в Риме и окрестностях в XII и XIII веках. Мастера использовали классическое наследие в сочетании с византийскими и раннехристианскими традициями. Позднее другие семьи каменотёсов Италии переняли традицию Косматов.







Метаболизм





Метаболизм (фр. metabolisme от греч. «превращение, изменение») — течение в архитектуре и градостроительстве середины XX в., представлявшее альтернативу господствовавшей в то время в архитектуре идеологии функционализма. Зародилось в Японии в конце 50-х годов XX века. В основу теории метаболизма лёг принцип индивидуального развития живого организма (онтогенеза) и коэволюции. Метаболизм не сто?ит, однако, путать с органической архитектурой и эко-теком, в которых подражание живой природе не развёрнуто во времени и затрагивает, главным образом, принципы формообразования.
Вот как определял концепцию метаболизма один из её главных идеологов, Кионори Кикутаке: «Японцы привыкли к неразрывности традиции, одной из основ устойчивости нашей цивилизации.
Поэтому и концепция метаболистической архитектуры восходит к истокам японской строительной традиции, предлагая алгоритм ее изменения. Безусловно, непросто кратко определить все то, о чем я размышлял,создавая эту теорию. Для меня в понятии «метаболизм» самым важным была возможность перестройки сооружения и замены его составляющих в соответствии с требованиями, которые предъявляет наш быстроизменяющийся мир. Движение метаболистов не было данью моде и не создавалось мною для того, чтобы стать ее законодателем. В Европе это движение превратилось в модное течение, а в нашей стране, основанной на древних традициях, оно получило иное развитие. Для Японии это был вопрос будущего нашей цивилизации. Поэтому необходимо было учитывать, будет ли нужна Японии наша концепция. При этом мы верили, что такой подход к архитектуре и вообще к построению нового мирного общества будет полезен для развития и других стран. Вообще, в Японии всегда уделялось особое внимание законам эволюции животного и растительного мира. Поэтому природные закономерности стали одной из основ архитектурного метаболизма. Возможно, по похожим биологическим законам должна развиваться и архитектура. Современные технологии позволяют реализовывать самые смелые проекты, поэтому есть надежда, что опыт метаболистов найдет свое применение и в XXI веке."







Архитектура модерна





Архитектура модерна — архитектурный стиль, получивший распространение в Европе в 1890-е—1910-е годы в рамках художественного направления модерн. Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых технологий (металл, стекло). Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались.В архитектуре модерна есть ряд характерных черт, например, отказ от обязательных симметричных форм. В нем появляются новые формы, как, например, «магазинские окна», то есть широкие, предназначенные играть роль витрин. В этот период окончательно складывается тип жилого доходного дома. Получает развитие многоэтажное строительство. Бывали и такие случаи, когда наряду с удачными работами, например, подлинного югендстиля (ван де Вельде), в руках подражателей в угоду моде и из коммерческих соображений работа превращалась в пустое украшательство. Другие архитекторы, напротив, мало опирались на наследие прошлого, щеголяли свободой творчества и, в поисках новых решений, часто вступали на путь изобретательства.







Неоготика





Неоготика («новая готика») — наиболее распространённое направление в архитектуре эпохи эклектики, или историзма, возрождавшее формы и (в ряде случаев) конструктивные особенности средневековой готики. Возникло в Англии в 40-е годы XVIII века. Развивалось во многом параллельно с медиевистикой и поддерживалось ей. В отличие от национальных направлений эклектики (таких, как псевдорусский или неомавританский стили) неоготика была востребована по всему миру: именно в этом стиле строились католические соборы в Нью-Йорке и Мельбурне, Сан-Паулу и Калькутте, Маниле и Гуаньчжоу, Рыбинске и Киеве. В XIX веке англичане, французы и немцы оспаривали друг у друга право считаться родоначальниками готики, однако пальму первенства в возрождении интереса к средневековой архитектуре единодушно отдают Великобритании. В викторианскую эпоху Британская империя как в метрополии, так и в колониях вела огромное по размаху и функциональному разнообразию строительство в неоготическом стиле, плодами которого стали такие общеизвестные сооружения, как «Биг Бэн» и Тауэрский мост. В России востребованность неоготики была ограничена придворными кругами и католическими общинами крупных городов, которые строили архитектурные капризы и костёлы, соответственно. В русскоязычной литературе для обозначения сдобренной национальными элементами неоготики употребляется термин «псевдоготика», так как подлинной готики на территории Древней Руси не существовало.







Неогрек





Неогрек — архитектурный стиль, возникший в 1820-х годах, основанный на «возвращении» к классическим греческим образцам. Отличается от классицизма (и ампира в частности) подчёркнуто археологическим, детальным подходом к воспроизведению греческой классики, очищенной от влияния древнеримской архитектуры и итальянского ренессанса; идеологически, принадлежит к эпохе эклектики, а не классицизма. В России (прежде всего в Москве) вошёл в моду в конце 1860-х годов и продержался до прихода стиля модерн в конце XIX века.
органическая архитектура — течение архитектурной мысли, впервые сформулированное Луисом Салливеном на основе положений эволюционной биологии в 1890-е гг. и нашедшее наиболее полное воплощение в трудах его последователя Фрэнка Ллойда Райта в 1930-е — 1950-е гг.
В противоположность функционализму, органическая архитектура видит свою задачу в создании зданий и сооружений, раскрывающих свойства естественных материалов и органично вписанных в окружающий ландшафт. Сторонник идеи непрерывности архитектурного пространства, Райт предлагал подвести черту под традицией нарочитого выделения здания и его составных частей из окружающего мира, доминировавшей в западной архитектурной мысли со времён Палладио. По его мнению, форма здания должна каждый раз вытекать из его специфического назначения и тех уникальных условий среды, в которых оно возводится.







Постконструктивизм





Постконструктивизм — условное обозначение «промежуточного» стиля советской архитектуры в период 1932 — 1936 гг., когда под влиянием политических и идеологических факторов происходил переход от авангардизма к неоклассике (к так называемому «Сталинскому ампиру»).







Рококо





Рококо (фр. rococo, от фр. rocaille — декоративная раковина, ракушка, рокайль), реже роккоко — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, эротическим ситуациям, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.







Романский стиль





Романский стиль (от лат. romanus — римский) развивался в западноевропейском искусстве X—XII веков. Наиболее полно он выразился в архитектуре. Романский стиль, художественный стиль, господствовавший в Западной Европе (а также затронувший некоторые страны Восточной Европы) в X—XII вв. (в ряде мест — и в XIII в.), один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства.
Термин «романский стиль» появился в начале XIX века, когда была установлена связь архитектуры XI—XII веков с древнеримской архитектурой (в частности, использование полуциркульных арок, сводов). В целом, термин условен и отражает лишь одну, не главную, сторону искусства. Однако, он вошёл во всеобщее употребление. Основной вид искусства романского стиля — архитектура, преимущественно церковная (каменный храм, монастырские комплексы). Псевдоготика, ложная готика или русская готика — предромантическое направление в русской архитектуре екатерининской эпохи, основанное на вольном сочетании элементов европейской готики и московского барокко с гротескными привнесениями работавших в этом стиле архитекторов, нередко насыщенными масонской символикой. После смерти Екатерины II развитие русской готики шло параллельно со становлением неоготического направления в архитектуре Западной Европы, но, в отличие от неоготики, с подлинным средневековым зодчеством русская готика имеет мало общего.







Неоклассицизм





Неоклассицизм — термин, применяемый в российском искусствоведении для обозначения художественных явлений последней трети XIX и XX веков, которым присуще обращение к традициям искусства античности, искусства эпохи Возрождения или классицизма (в музыке — также и эпохи барокко). В зарубежном искусствоведении неоклассицизмом называют классицизм в архитектуре и изобразительном искусстве второй половины XVIII — первой трети XIX веков, в отличие от классицизма более раннего периода.
Архитектура Возрождения.
Главное, чем характеризуется эта эпоха — возвращение в архитектуре к принципам и формам античного, преимущественно римского искусства. Особенное значение в этом направлении придаётся симметрии, пропорции, геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры. Сложная пропорция средневековых зданий сменяется упорядоченным расположением колонн, пилястр и притолок, на смену несимметричным очертаниям приходит полукруг арки, полусфера купола, ниши, эдикулы.
Собор Санта-Мария-дель-Фьоре, Флоренция. Жемчужина ренессансной архитектуры.
Наибольший расцвет Ренессансная архитектура пережила в Италии, оставив после себя два города-памятника: Флоренцию и Венецию. Над созданием зданий там трудились великие архитекторы — Филиппо Брунеллески, Леон Баттиста Альберти, Донато Браманте, Джорджо Вазари и многие другие.
Романский стиль (от лат. romanus — римский) развивался в западноевропейском искусстве X—XII веков. Наиболее полно он выразился в архитектуре. Романский стиль, художественный стиль, господствовавший в Западной Европе (а также затронувший некоторые страны Восточной Европы) в X—XII вв. (в ряде мест — и в XIII в.), один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства.
Термин «романский стиль» появился в начале XIX века, когда была установлена связь архитектуры XI—XII веков с древнеримской архитектурой (в частности, использование полуциркульных арок, сводов). В целом, термин условен и отражает лишь одну, не главную, сторону искусства. Однако, он вошёл во всеобщее употребление. Основной вид искусства романского стиля — архитектура, преимущественно церковная (каменный храм, монастырские комплексы).
Рококо (фр. rococo, от фр. rocaille — декоративная раковина, ракушка, рокайль), реже роккоко — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, эротическим ситуациям, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.







Романтизм





Романтизм (фр. romantisme) — явление европейской культуры в XVIII—XIX веках, представляющее собой реакцию на Просвещение и стимулированный им научно-технический прогресс; идейное и художественное направление в европейской и американской культуре конца XVIII века — первой половины XIX века. Характеризуется утверждением самоценности духовно-творческой жизни личности, изображением сильных (зачастую бунтарских) страстей и характеров, одухотворённой и целительной природы.







Эклектика





Эклектика (эклектизм, историзм) в архитектуре — направление в архитектуре, доминировавшее в Европе и России в 1830-е-1890-е гг. Использование элементов так называемых «исторических» архитектурных стилей (неоренессанс, необарокко, неорококо, неоготика, неомавританский стиль, неовизантийский стиль, псевдорусский стиль, индо-сарацинский стиль) называют эклектикой в советской и российской практике. В зарубежном искусствоведении употребляются не несущие негативной окраски термины романтизм (для второй четверти XIX века) и боз-ар (для второй половины XIX века). Эклектике присущи, с одной стороны, все черты европейской архитектуры XV—XVIII веков, а с другой — в ней есть принципиально другие свойства. Эклектика сохраняет архитектурный ордер (в отличие от модерна, не использующего ордер), но в ней он утратил свою исключительность. Формы и стили здания в эклектике привязаны к его функции. Так, в российской практике, русский стиль К. А. Тона стал официальным стилем храмостроительства, но практически не применялся в частных постройках. Эклектика «многостильна» в том смысле, что постройки одного периода базируются на разных стилевых школах в зависимости от назначения зданий (храмы, общественные здания, фабрики, частные дома) и от средств заказчика (сосуществуют богатый декор, заполняющий все поверхности постройки, и экономная «краснокирпичная» архитектура). В этом принципиальное отличие эклектики от ампира, диктовавшего единый стиль для построек любого типа.







Хай-тек





Хай-тек (англ. hi-tech, от high technology — высокие технологии) — стиль в архитектуре и дизайне, зародившийся в недрах постмодернистской архитектуры в 1970-х и нашедший широкое применение в 1980-х. Главные теоретики и практики хай-тека (по большей части практики, в отличие от архитекторов деконструктивизма и постмодернизма) в основном англичане — Норман Фостер, Ричард Роджерс, Николас Гримшоу, на каком-то этапе своего творчества Джеймс Стирлинг и итальянец Ренцо Пиано. Хай-тек, как и постмодернизм, и деконструктивизм, представляет собой скорее подход к архитектуре, чем особый стиль. Хай-тек, согласно классификации Ч. Дженкса, относится к позднему модернизму, то есть его характеризуют прагматизм, представление об архитекторе как элитном профессионале, обеспечение архитектурой обслуживания, сложная простота, скульптурная форма, гипербола, технологичность, структура и конструкция как орнамент, анти-историчность, монументальность. Практически все архитектурные критики вслед за Дженксом архитекторов хай-тек называют новым поколением модернистов, так как, несмотря на иронию 1970-х, они не порывают с традициями европейской архитектуры, они не спорят с Витрувием: их произведения очень функциональны, удобны, и в них есть своя красота. Но если хай-тек — пик модернизма, даже шире — пик идеи «современности» в архитектуре, в таком случае хай-тек можно считать поэтичным завершением целой эпохи. Одним из первых важных осуществлённых сооружений хай-тека принято считать Центр Помпиду в Париже (1977), построенный Ричардом Роджерсом и Ренцо Пиано. Поначалу проект был встречен в штыки, но к 1990-м годам споры утихли, и Центр стал одной из признанных достопримечательностей Парижа (как некогда Эйфелева башня). В Англии реальные хай-тек здания появились позже. Первые лондонские сооружения в стиле хай-тек были построены только лишь в 1980—1990-х годах (здание компании Ллойдз, 1986). В какой-то мере медленная реализация современных проектов в духе хай-тека в Англии была связана с политикой принца Чарльза, развернувшего тогда активную деятельность в рамках архитектурного конкурса на реконструкцию Paternoster Square (1988). Принимая участие в архитектурных дебатах, принц выступил в поддержку новых классицистов и против архитекторов хай-тек, называя их постройки уродующими лицо Лондона. Ч. Дженкс призывает «королей оставить архитектуру архитекторам», даже высказывается мнение, что начинается новая волна монархизма с диктатурой принца в архитектуре. Хай-тек уже с 1980-х гг. выражал престижность (все здания хай-тек очень дорогие), Ч. Дженкс называет их «банковскими соборами», можно даже говорить о том, что современный хай-тек формирует имидж крупнейших коммерческих фирм. В Лондоне архитектурные дебаты вокруг хай-тека утихли, а наиболее яркие его представители признаны и пользуются уважением (Норману Фостеру присуждено звание рыцаря). Начиная с 1990-х гг. развивается био-тек и эко-тек - стили, в противоположность хай-теку, пытающиеся соединиться с природой, не спорить с ней, но войти в диалог (особенно это заметно в работах архитекторов родины хай-тека — Англии и итальянца Р. Пиано).

Основные черты стиля:
Использование высоких технологий в проектировании, строительстве и инжиниринге зданий и сооружений.
Использование прямых линий и простых фигур.
Широкое применение стекла, пластика, металла.
Трубчатые конструкции из металла и лестницы, выведенные наружу здания.
Децентрированное освещение, создающее эффект просторного, хорошо освещённого помещения.
Широкое использование серебристо-металлического цвета.
Высокий прагматизм в планировании пространства.
Частое обращение к элементам конструктивизма и кубизма (в противоположность био-теку).
В виде исключения жертвование функционалом в угоду дизайну и стилю хай-тек.

русская архитектура.//ru.wikipedia.o

Русская архитектура
[править | править вики-текст]
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
Перейти к: навигация, поиск

Покровский собор (Храм Василия Блаженного) (1555-61) Памятник русской средневековой архитектуры, украшает собой главную площадь Российской Федерации — Красную площадь.

Русская архитектура следует за традицией, корни которой были установлены ещё в Византии, а затем в Древнерусском государстве. После падения Киева русская архитектурная история продолжалась во Владимиро-Суздальском княжестве, Новгородской и Псковской республиках, Русском царстве, Российской империи, Советском Союзе и современной Российской Федерации.
Содержание [убрать]
1 Средневековая Русь (X—XVII вв)
1.1 Древнерусское государство (IX—XII вв.)
1.2 Владимиро-Суздальская архитектура (XII—XIII вв.)
1.3 Новгородско-Псковская архитектура (конец XII—XVI вв.)
1.4 Архитектура Московского княжества (XIV—XVI вв.)
1.5 Архитектура Русского царства (XVI в.)
1.6 Русская архитектура XVII века
2 Деревянная архитектура
3 Эпоха Российской империи
3.1 Русское барокко
3.2 Классицизм
3.3 Русский стиль в архитектуре XIX—XX веков
3.4 Архитектура начала XX века
4 Советская Россия
4.1 Послереволюционный период
4.2 Сталинская архитектура
4.3 Вторая половина XX века
5 Современная Россия
6 См. также
7 Литература
8 Примечания
9 Ссылки


Средневековая Русь (X—XVII вв)[править | править вики-текст]
Основная статья: Древнерусское зодчество
См. также: Список древнерусских архитектурных сооружений домонгольского периода
Древнерусское государство (IX—XII вв.)[править | править вики-текст]

Культурное влияние Древнерусского государства прослеживается в архитектурных традициях нескольких современных государств, в том числе и России.

Большие церкви Киевской Руси, построенные после принятия христианства в 988 году, были первыми примерами монументальной архитектуры в восточно-славянских землях. Архитектурный стиль Киевской Руси утвердился под влиянием Архитектуры Византии. Ранние православные церкви были главным образом сделаны из дерева.

Первой каменной церковью Древнерусского государства была Десятинная церковь в Киеве, строительство которой относят к 989 году. Церковь строилась в качестве кафедрального собора неподалеку от княжеского терема.

В первой половине XII в. церковь перенесла значительный ремонт. В это время был полностью перестроен юго-западный угол храма, перед западным фасадом появился мощный пилон, подпирающий стену. Эти мероприятия, вероятнее всего, являлись восстановлением храма после частичного обрушения вследствие землетрясения.

Софийский собор в Киеве, построенный в XI веке является одним из самых значительных архитектурных сооружений данного периода. Первоначально Софийский собор представлял собой пятинефный крестово-купольный храм с 13 главами. С трёх сторон он был окружён двухъярусной галереей, а снаружи — ещё более широкой одноярусной.

Собор строился константинопольскими строителями при участии киевских мастеров. На рубеже XVII-XVIII веков был внешне перестроен в стиле украинского барокко. Храм внесён в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.
Владимиро-Суздальская архитектура (XII—XIII вв.)[править | править вики-текст]

Золотые ворота во Владимире. Центральная часть с проездной аркой сохранилась с середины XII века

В период политической раздробленности роль Киева как политического центра начинает ослабевать, в удельных центрах появляются значительные архитектурные школы. В XII—XIII веках важнейшим культурным центром становится Владимиро-Суздальское княжество. Уникальность владимиро-суздальского зодчества состоит в том, что оно не просто продолжило традиции византийской и южнорусской архитектуры, но и значительно обогатило их западноевропейскими идеями и элементами. При этом вопрос о непосредственном участии средневековых европейских мастеров в белокаменном строительстве на северо-востоке Руси в сер. - 2ой пол. XII века остаётся открытым.

Первым европейскую каменную технику в Залесье начал использовать Юрий Долгорукий. При нем были возведены белокаменные постройки во Владимире, Суздале, Юрьев-Польском, Переславле. До нашего времени дошли две из них - церковь Бориса и Глеба в Кидекше и Спасский собор в Переславле-Залесском. Оба храма датируются 1152 годом.

Во время правления Андрея Боголюбского владимиро-суздальская архитектура получила дальнейшее развитие. В столице княжества Владимире разворачивается активное строительство, город застраивается монументальными сооружениями. До настоящего времени сохранились такие памятники архитектуры Владимира как Успенский собор и Золотые ворота.

Покрова на Нерли - «жемчужина» белокаменного зодчества

Одним из наиболее выдающихся памятников зодчества владимиро-суздальской школы является церковь Покрова на Нерли, построенная в 1165 году. От храма XII века без существенных искажений до нашего времени сохранился основной объём — небольшой, слегка вытянутый по продольной оси четверик и глава.

Своего же расцвета архитектура Владимира и Суздаля достигла в конце XII века при брате Боголюбского, первом Великом князе Владимирском Всеволоде Большое Гнездо. Всеволод значительно расширил владимирский Успенский собор и построил Дмитриевский собор - шедевр белокаменной резьбы и самый показательный в архитектурном плане белокаменный храм. При сыновьях Всеволода в 1220-30-е гг. создаются последние крупные памятники Владимиро-Суздальской Руси - Рождественский собор суздальского кремля и Георгиевский собор в Юрьев-Польском.

Гражданская архитектура Владимиро-Суздальской земли сохранилась мало и фрагментарно. Возможно, самой древней сохранившейся светской постройкой в европейской России стоит считать остатки белокаменной резиденции Андрея Боголюбского в Боголюбово. Комплекс реставрационных и исследовательских работ сер. XX века позволил сохранить двухъярусную галерею-переход и нижнюю часть древней башни княжеского дворца. Парадные Золотые Ворота, верхний ярус которых представлял собой церковь Положения Риз Богородицы, были значительно перестроены на рубеже XVIII-XIX вв.

Конец белокаменному зодчеству во Владимиро-Суздальской Руси положило татаро-монгольское нашествие и последовавшее за ним иго. В 1992 году семь белокаменных памятников владимиро-суздальской архитектурной школы XII - нач. XIII вв. были включены в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.
Новгородско-Псковская архитектура (конец XII—XVI вв.)[править | править вики-текст]

Церковь Спаса Преображения на Ильине улице — один из выдающихся памятников Новгорода времен феодальной раздробленности.

Формирование новгородской архитектурной школы относят к середине XI века, времени строительства Софийского собора в Новгороде. Уже в данном памятнике заметны отличительные черты новгородской архитектуры — монументальность, простота, отсутствие излишней декоративности.

Храмы Новгорода эпохи политической раздробленности уже не поражают огромными размерами, однако в них сохраняются основные черты данной архитектурной школы. Они отличаются простотой и некоторой тяжеловесностью форм. В конце XII века были построены такие храмы как церковь Петра и Павла на Синичьей горе (1185), церковь Уверения Фомы на Мячине (1195) (на её фудаменте в 1463 году построена новая церковь с тем же именем). Выдающимся памятником, завершившим развитие школы в XII веке, стала церковь Спаса на Нередице (1198). Построена за один сезон при новгородском князе Ярославе Владимировиче. Храм одноглавый, кубического типа, четырёхстолпный, трёхапсидный. Фресковые росписи занимали всю поверхность стен и представляли собой один из уникальных и наиболее значительных живописных ансамблей России.

Расцвет новгородского зодчества относят ко второй половине XIV века, в эпоху максимального могущества Новгородской республики. Вершиной и эталоном архитектуры данного периода является церковь Фёдора Стратилата на Ручью в Новгороде. Здание церкви — это четырёхстолпная одноглавая постройка кубического типа. На фасаде, особенно на барабане и апсидах, немало декоративных элементов. Некоторые ниши фасада ранее были украшены фресками. Также стоит отметить церковь Спаса Преображения на Ильине улице, знаменитую тем, что в ней одной сохранились фрески кисти Феофана Грека.

Поганкины палаты в Пскове

Псковская архитектура очень близка к новгородской, тем не менее в зданиях Пскова появилось немало специфических черт. Одним из лучших храмов Пскова периода расцвета стала церковь Сергия с Залужья (1582—1588). Также известны церковь Николы со Усохи (1371), Василия на Горке (1413), Успенья на Пароменье со звонницей (1521), Кузьмы и Демьяна с Примостья (1463).

Зданий светской архитектуры Новгородской и Псковской земель известно немного, среди них наиболее монументальным зданием являются Поганкины палаты в Пскове, построенные в 1671—1679 годы торговыми людьми Поганкиными. Здание является своеобразным дворцом-крепостью, его стены, толщиной в два метра, сложены из камней.
Архитектура Московского княжества (XIV—XVI вв.)[править | править вики-текст]

Успенский собор Московского Кремля

Превращение Москвы в сильный политический центр привело к стремительному развитию архитектуры на территории города и княжества. Архитектурные традиции Владимиро-Суздальского княжества успешно перенимались московскими зодчими, к концу XVI века уже можно говорить о собственной московской архитектурной школе.

Успенский собор на Городке в Звенигороде — один из полностью сохранившихся белокаменных московских храмов данного периода. Это небольшой крестово-купольный четырёхстолпный храм, увенчанный одним куполом. С восточной стороны храм имеет три алтарные апсиды, западный, южный и северный фасады храма имеют традиционное деление на три вертикальных прясла, завершенных закомарами. Изящество пропорций и красота богатого декоративного убранства выделяют храм из числа других соборов того же времени[1].

Грановитая палата

Подъем московской архитектуры принято связывать с политическими и экономическими успехами княжества в конце XV века, во времена правления Ивана III. В 1475—1479 годах итальянским архитектором Аристотелем Фиораванти был построен Московский Успенский собор. Храм шестистолпный, пятиглавый, пятиапсидный. Построен из белого камня в сочетании с кирпичом. В росписи принимал участие известный иконописец Дионисий. В 1484—1490 годах псковскими зодчими был построен Благовещенский собор. В 1505—1509 годах под руководством итальянского архитектора Алевиза Нового был построен близкий к Успенскому Архангельский собор. В это же время получает развитие гражданское строительство, в Кремле строится ряд зданий — палат, самой известной из которых является Грановитая палата (1487—1496).

В 1485 году началось строительство новых кремлевских стен и башен, оно закончилось уже при правлении Василия III в 1516 году. К этой эпохе относят также активное строительство других крепостных сооружений — укрепленных монастырей, крепостей, кремлей. Были построены кремли в Туле (1514), Коломне (1525), Зарайске (1531), Можайске (1541), в Серпухове (1556) и т. д.
Архитектура Русского царства (XVI в.)[править | править вики-текст]

Церковь Вознесения в Коломенском

Принятие Иваном Грозным титула «царя» и превращение России в царство было очередным этапом развития русского государства и русской архитектуры в том числе. В архитектуре данного периода продолжаются прошлые традиции, при этом в каменную архитектуру из деревянной проникает форма «шатра», что является заметным отличием в архитектуре нового периода.

Самым известным памятником архитектуры данного периода является Храм Василия Блаженного, строительство которого продолжалось в 1554—1560 годах. Собор входит в Список объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО в России. Храм Василия Блаженного, или Покровский Собор, был построен по приказу Ивана Грозного в память о взятии Казани, автором проекта, по одной из версий, стал псковский зодчий Постник Яковлев. Памятник является одним из самых узнаваемых символов Москвы и России.

Смоленский собор Новодевичьего монастыря (1524—1598)

Другим известным памятником данного периода является Церковь Вознесения в Коломенском, являющаяся первым каменным шатровым храмом в России. Возведена в Коломенском в 1528—1532 годах (предположительно итальянским архитектором Петром Францизском Ганнибалом, по русским летописям Петром Фрязином или Петроком Малым)[2] на правом берегу Москвы-реки. В храме наряду с шатром были применены пристенные пилоны, что позволило построить огромное здание невиданных пропорций, с «летящей» архитектоникой. Постройка была осуществлена с размахом и значительными материальными затратами. В истории русского зодчества храм остался произведением, с точки зрения его формального совершенства, единственным и неповторимым.

Несмотря на развитие каменной шатровой архитектуры, продолжают возводиться и храмы старого типа. По типу Московского Успенского собора с пятью куполами были построены: Смоленский собор Новодевичьего монастыря (1524—1598), Успенский собор Троице-Сергиевой лавры (1559—1585).
Русская архитектура XVII века[править | править вики-текст]

Начало XVII века в России ознаменовалось сложным смутным временем, что привело к временному упадку строительства. Монументальные здания прошлого века сменились небольшими, иногда даже «декоративными» постройками. Примером подобного строительства может служить церковь Рождества Богородицы в Путинках, выполненная в характерном для того периода стиле русского узорочья. После завершения строительства храма, в 1653 году, Патриарх Никон прекратил строительство каменных шатровых храмов на Руси, что сделало церковь одной из последних выстроенных с применением шатра.

Церковь Иоанна Предтечи в Ярославле (1687)

В данный период развивается тип бесстолпного храма. Одним из первых храмов такого типа принято считать Малый собор Донского монастыря (1593). Прототипом бесстолпных храмов XVII века является Храм Покрова Пресвятой Богородицы в Рубцове (1626). Это небольшой храм с единым внутренним пространством, без опорных столбов, перекрытый сомкнутым сводом, увенчанный снаружи ярусами кокошников и световой главкой, с примыкающим в виде отдельного объёма алтарем. Храм поднят на подклет, имеет приделы по бокам и окружен с трех сторон открытой галереей — сенями. Лучшими примерами памятников середины XVII века также принято считать церковь Троицы Живоначальной в Никитниках в Москве (1653), Троицкую церковь в Останкине (1668). Им присуще изящество пропорций, сочная пластика форм, стройность силуэта и красивая группировка внешних масс.

Развитие архитектуры в XVII веке не ограничивалось Москвой и Подмосковьем. Своеобразный стиль вырабатывался и в других русских городах, в частности, в Ярославле. Одним из наиболее известных ярославских храмов является Церковь Иоанна Предтечи (1687). Прекрасное сочетание массивного храма и колокольни, изящество цветов, прекрасные росписи делают его одним из наиболее выдающихся памятников своего времени. Другим известным памятником ярославской архитектуры является Церковь Иоанна Златоуста в Коровниках (1654).

Большое количество оригинальных памятников архитектуры XVII века сохранилось и в Ростове. Наиболее известны Ростовский кремль (1660—1683), а также церкви Ростовского Борисоглебского монастыря. Отдельного внимания заслуживает Церковь Иоанна Богослова Ростовского кремля (1683). Храм внутри не имеет столпов, стены покрыты превосходными фресками. Данная архитектура предвосхищает стиль московского барокко.
Деревянная архитектура[править | править вики-текст]

Успенская церковь в Кондопоге

Деревянная архитектура, безусловно, является древнейшим видом архитектуры на территории России. Самой главной областью применения дерева в качестве строительного материала стало русское национальное жилище, а также хозяйственные и прочие постройки. В культовом строительстве дерево активно вытеснялось камнем, вершин развития деревянная архитектура достигла на Русском Севере.

Северные русские храмы весьма разнообразны по стилям и формам. Одним из самых распространенных архитектурных типов стал шатровый храм. Самой распространенной причиной появления шатра в деревянной архитектуре считается чрезвычайная трудность при исполнении традиционного купола из дерева. Строительство самой ранней из известных шатровых церквей относят к 1501 году, тогда была возведена Климентовская церковь в погосте Уна. Примечательны также такие деревнянные шатровые храмы как Успенская церковь в Варзуге, церковь в Панилове Архангельской области, и др.

Одним из наиболее примечательных шатровых храмов является Успенская церковь в Кондопоге (1774). Основной объём церкви — два восьмерика с повалом, поставленные на четверик, с прямоугольным алтарным прирубом и двумя висячими крыльцами. Сохранился иконостас в стиле барокко и иконописный потолок -небо. Небо кондопожской церкви Успения — единственный образец композиции «Божественная литургия» в действующей церкви.

Оригинальным памятником церквей шатрового типа является Воскресенская церковь в Кевроле Архангельской области (1710). Центральный четвериковый объём покрыт шатром на крещатой бочке с пятью декоративными главками и окружен прирубами с трех сторон. Из них северный интересен тем, что он в уменьшенных формах повторяет центральный объём. Внутри сохранился замечательный резной иконостас. В деревянной шатровой архитектуре известны случаи использования нескольких шатровых конструкций. Единственный в мире пятишатровый храм — Троицкая церковь в селе Нёнокса. Помимо шатровых храмов в деревянном зодчестве встречаются и кубоватые храмы, название которых идет от покрытия «кубом», то есть пузатой четырёхскатной кровлей. Примером подобного строения может служить Преображенская церковь в Турчасово (1786).

Преображенская церковь на острове Кижи

Особый интерес представляют также деревянные многоглавые храмы. Одним из самых ранних храмов этого типа считается Храм Покрова Божией Матери под Архангельском (1688). Наиболее известным деревянным многоглавым храмом является Преображенская церковь на острове Кижи. Она увенчана двадцатью двумя главами, размещенными ярусами на кровлях прирубов и восьмериков, имеющих криволинейную форму типа «бочки». Также известны девятиглавая Покровская церковь в Кижах, двадцатиглавый храм Вытегорского посада и др.

Деревянное зодчество получило развитие и в дворцовой архитектуре. Наиболее известным её примером является загородный дворец царя Алексея Михайловича в селе Коломенском (1667—1681). Наиболее крупные коллекции деревянного зодчества России находятся в музеях под открытым небом. Помимо известного музея в Кижах существуют также такие музеи как Малые Корелы в Архангельской области, Витославлицы в Новгородской области, деревянная архитектура Сибири представлена в музее Тальцы в Иркутской области, деревянное зодчество Урала — в Нижне-Синячихинском музее-заповеднике деревянного зодчества и народного искусства.
Эпоха Российской империи[править | править вики-текст]
Русское барокко[править | править вики-текст]
Основная статья: Русское барокко

Кикины палаты — памятник архитектуры петровского барокко

Первый этап развития русского барокко относится ещё к эпохе Русского царства, с 1680-х по 1700-е годы получает развитие московское барокко. Особенностью данного стиля является его тесная связь с уже существовавшими русскими традициями и влияние украинского барокко вкупе с прогрессивными технологиями, пришедшими с Запада.

Основание Санкт-Петербурга дало мощный толчок к развитию архитектуры России, с деятельностью Петра I начинается новый этап в развитии русского барокко — петровское барокко. Это был архитектурный стиль, ориентировавшийся на образцы шведской, немецкой и голландской гражданской архитектуры. Тем не менее лишь первые памятники архитектуры данного периода, такие как Петропавловский собор в Петербурге, практически избежали русского влияния. Несмотря на обилие иностранных архитекторов в России начинает формироваться новая собственная архитектурная школа.

Архитектуре петровского времени свойственны простота объёмных построений, чёткость членений и сдержанность убранства, плоскостная трактовка фасадов. К числу первых строителей Петербурга принадлежат Жан-Батист Леблон, Доменико Трезини, Андреас Шлютер, Дж. М. Фонтана, Николо Микетти и Г. Маттарнови. Все они прибыли в Россию по приглашению Петра I. Каждый из этих архитекторов вносил в облик сооружаемых зданий традиции своей страны, той архитектурной школы, которую он представлял. Курируя осуществление их проектов, традиции европейского барокко усваивали и русские зодчие, как, например, Михаил Земцов.

Зимний дворец — один из самых известных памятников елизаветинского барокко

В эпоху правления Елизаветы Петровны в России получает развитие новое направление в русском барокко — елизаветинское барокко. Его появление чаще всего связывают с именем выдающегося архитектора Франческо Бартоломео Растрелли. Отличие данного стиля от петровского заключается в его тесной связи с традициями московского барокко. Растрелли спроектировал величественные дворцовые комплексы в Петербурге и его окрестностях — Зимний дворец, Екатерининский дворец, Петергоф. Архитектору свойственны исполинские масштабы построек, пышность декоративного убранства, двух-трехцветный окрас фасадов с применением золота. Мажорный, праздничный характер архитектуры Растрелли наложил отпечаток на всё русское искусство середины XVIII века.

Самобытную страницу елизаветинского барокко представляет творчество московских архитекторов середины XVIII века — во главе с Д. В. Ухтомским и И. Ф. Мичуриным.
Классицизм[править | править вики-текст]

Здание Адмиралтейства в Санкт-Петербурге

В 1760-х годах на смену барокко в русской архитектуре постепенно приходит классицизм. Яркими центрами русского классицизма стали Санкт-Петербург и Москва. В Петербурге классицизм сложился как завершенный вариант стиля в 1780-х годах, его мастерами были Иван Егорович Старов и Джакомо Кваренги. Таврический дворец работы Старова является одним из наиболее типичных классицистических зданий Петербурга. Центральный двухэтажный корпус дворца с шестиколонным портиком увенчан плоским куполом на невысоком барабане; гладкие плоскости стен прорезаны высокими окнами и завершены антаблементом строгого рисунка с фризом из триглифов. Главный корпус объединён одноэтажными галереями с боковыми двухэтажными корпусами, ограничивающими широкий парадный двор. Среди работ Старова также известны Троицкий собор Александро-Невской лавры (1778—1786), Князь-Владимирский собор и др. Творения итальянского архитектора Джакомо Кваренги стали символом петербургского классицизма. По его проекту были построены такие здания как Александровский дворец (1792—1796), Здание Смольного института (1806), здание Академии наук (1786—1789) и др.

Казанский собор в Санкт-Петербурге

В начале XIX века в классицизме происходят существенные изменения, появляется стиль ампир. Его появление и развитие в России связывают с именами таких архитекторов как Андрей Никифорович Воронихин, Андреян Дмитриевич Захаров и Жан Тома де Томон. Одним из лучших произведений Воронихина является Казанский собор в Петербурге (1801—1811). Могучие колоннады собора охватывают полуовалом площадь, открытую на Невский проспект. Другим известным произведением Воронихина является здание Горного института (1806—1811). Примечательна дорическая колоннада огромного портика на фоне суровых стен фасада, со скульптурными группами по бокам портика.

К существенным творениям французского архитектора Жана Тома де Томона принято относить здание Большого театра в Петербурге (1805), а также здание Биржи (1805—1816). Перед зданием архитектор установил две ростральные колонны со скульптурами, символизирующими великие русские реки: Волгу, Днепр, Неву и Волхов.

Шедевром архитектуры классицизма XIX века принято считать построенный по проекту Захарова комплекс зданий Адмиралтейства (1806—1823). Идеей нового облика уже существовавшего тогда здания стала тема морской славы России, могущества русского флота. Захаров создал новое, грандиозное (протяжённость главного фасада 407 м) сооружение, придав ему величественный архитектурный облик и подчеркнув его центральное положение в городе. Крупнейшим архитектором Петербурга после Захарова был Василий Петрович Стасов. К числу его лучших произведений относят Спасо-Преображенский собор (1829), Нарвские триумфальные ворота (1827—1834), Троице-Измайловский собор (1828—1835).

Дом Пашкова в Москве

Последней крупной фигурой, работавшей стиле ампир стал российский архитектор Карл Иванович Росси. По его проекту были построены такие здания как Михайловский дворец (1819—1825), Здание Главного штаба (1819—1829), Здание Сената и Синода (1829—1834), Александринский театр (1832).

Московская архитектурная традиция в целом развивалась в тех же рамках, что и петербургская, но имела и ряд особенностей, в первую очередь связанных назначением строившихся зданий. Крупнейшими московскими архитекторами второй половины XVIII века принято считать Василия Ивановича Баженова и Матвея Фёдоровича Казакова, сформировавших архитектурный облик Москвы того времени. Одним из самых известных классицистических зданий Москвы считается Дом Пашкова (1774—1776), предположительно построенный по проекту Баженова. В начале XIX века в московской архитектуре также начинает преобладать ампир. К крупнейшим московским архитекторам данного периода относят Осипа Ивановича Бове, Доменико Жилярди и Афанасия Григорьевича Григорьева.
Русский стиль в архитектуре XIX—XX веков[править | править вики-текст]
Основная статья: Псевдорусский стиль

Храм Христа Спасителя — пример русско-византийского стиля

В середине XIX и начале XX веков возрождение интереса к древнерусскому зодчеству породило семейство архитектурных стилей, часто объединяемых под названием «псевдорусский стиль» (также «русский стиль», «неорусский стиль»), в котором на новом технологическом уровне происходило частичное заимствование архитектурных форм древнерусского и византийского зодчества.

Основателем «русско-византийского стиля» принято считать Константина Андреевича Тона, работавшего в середине XIX века. К числу главнейших его творений принято причислять Храм Христа Спасителя (1860) и Большой Кремлёвский дворец (1838—1849). В наружной отделке дворца использованы мотивы Теремного дворца: окна выполнены в традиции русского зодчества и украшены резными наличниками с двойными арками и гирькой посередине. Наступает период увлечения мелкой кирпичной орнаментикой, декоративными формами XVI века — крыльцами, шатрами, кокошниками и т. д. Также в этом стиле работают Резанов, Горностаев и др.

В начале 1870-х годов народнические идеи пробудили в художественных кругах повышенный интерес к народной культуре, крестьянскому зодчеству и русской архитектуре XVI—XVII вв. Одними из самых ярких построек псевдорусского стиля 1870-х годов стали «Терем» Ивана Ропета в Абрамцеве под Москвой (1873) и типография Мамонтова в Москве, построенная Виктором Гартманом (1872).

В начале XX века получает развитие «неорусский стиль». В поисках монументальной простоты архитекторы обратились к древним памятникам Новгорода и Пскова и к традициям зодчества русского Севера. В Санкт-Петербурге «неорусский стиль» нашёл применение главным образом в церковных постройках Владимира Покровского, Степана Кричинского, Андрея Аплаксина, Германа Гримма, хотя в этом же стиле строились и некоторые доходные дома (характерный пример — дом Купермана, построенный архитектором А. Л. Лишневским на Плуталовой улице).
Архитектура начала XX века[править | править вики-текст]

Особняк С. П. Рябушинского на Малой Никитской

В начале XX века в архитектуре отражаются тенденции господствовавших в это время архитектурных течений. Помимо русского стиля появляются модерн, неоклассицизм, эклектика и др. Стиль модерн проникает в Россию из Запада и быстро находит своих сторонников. Наиболее выдающимся российским архитектором, работавшим в стиле модерн является Фёдор Осипович Шехтель. Известнейшая его работа — особняк С. П. Рябушинского на Малой Никитской (1900) — основан на причудливом контрасте геометричной тектоники и беспокойного декора, как бы живущего собственной ирреальной жизнью. Также известны его работы, выполненные в «неорусском духе», такие как павильоны русского отдела на Международной выставке в Глазго (1901) и московский Ярославский вокзал (1902).

Начало творческого пути Ивана Александровича Фомина также пришлось на стиль модерн, однако с 1910-х годов он становится ведущим мастером петербургской неоклассической школы. Большое влияние на развитие нового направления в архитектуре оказал дом-дворец Половцева на Каменном острове в Петербурге, построенный им в стиле русского классицизма. В этот же период он проектирует дом князя Абамелик-Лазарева (набережная реки Мойки, 21), дом Оболенского на озере Сайма и дом А. Г. Гагарина в имении Холомки в Псковской губернии.

Свое развитие неоклассицизм получает в работах Владимира Алексеевича Щуко. Его первый практический успех в неоклассике — постройка в 1910 году двух доходных домов в Санкт-Петербурге (№ 65 и 63 по Каменноостровскому проспекту) с применением «колоссального» ордера и эркеров. В том же 1910 г. Щуко проектировал русские павильоны на международных выставках 1911 года: Изящных искусств в Риме и Торгово-промышленной в Турине.
Советская Россия[править | править вики-текст]
Послереволюционный период[править | править вики-текст]
Основные статьи: Конструктивизм (искусство), Рационализм (архитектура)

Архитектура послереволюционной России характеризуется отказом от старых форм, поиском нового искусства для новой страны. Развитие получают авангардные течения, создаются проекты фундаментальных строений в новых стилях. Примерами такого рода работ является творчество Владимира Евграфовича Татлина. Им создается проект т. н. Башни Татлина, посвященной III Интернационалу. В этот же период Владимиром Григорьевичем Шуховым устанавливается знаменитая Шуховская башня на Шаболовке.

Шуховская башня

Стиль конструктивизм стал одним из лидирующих архитектурных стилей 1920-х годов. Важной вехой в развитии конструктивизма стала деятельность талантливых архитекторов — братьев Леонида, Виктора и Александра Весниных. Они пришли к осознанию лаконичной «пролетарской» эстетики, уже имея солидный опыт в проектировании зданий, в живописи и в оформлении книг. Ближайшим соратником и помощником братьев Весниных был Моисей Яковлевич Гинзбург, который был непревзойдённым теоретиком архитектуры первой половины XX века. В своей книге «Стиль и эпоха» он размышляет о том, что каждый стиль искусства адекватно соответствует «своей» исторической эпохе.

Вслед за конструктивизмом развитие получает и авангардный стиль рационализм. Идеологи рационализма, в отличие от конструктивистов, много внимания уделяли психологическому восприятию архитектуры человеком. Основоположником стиля в России был Аполлинарий Каэтанович Красовский. Лидером течения был Николай Александрович Ладовский. Для воспитания «подрастающего поколения» архитекторов Н. Ладовский создал мастерскую «Обмас» (Объединённые мастерские) при ВХУТЕМАСе.

После революции широко востребованным оказался и Алексей Викторович Щусев. В 1918—1923 годы он руководил разработкой генерального плана «Новая Москва», этот план стал первой советской попыткой создать реально исполнимую концепцию развития города в духе большого города-сада. Известнейшим произведением Щусева стал Мавзолей Ленина на Красной площади в Москве. В октябре 1930 года было возведено новое здание из железобетона, облицованное естественным камнем гранити лабрадоритом. В его форме можно видеть органичный сплав архитектуры авангарда и декоративных тенденций, ныне называемых стилем ар-деко.

Несмотря на значительные успехи советских архитекторов в создании новой архитектуры, заинтересованность властей в их работе постепенно начинает угасать. Рационалистов, как и их оппонентов конструктивистов, обвинили в «следовании буржуазным взглядам на архитектуру», «в утопичности их проектов», «в формализме». С 1930-х годов авангардные течения в советской архитектуре утихают.
Сталинская архитектура[править | править вики-текст]
Основная статья: Сталинская архитектура

Главное здание МГУ

Стиль сталинской архитектуры сформировался в период проведения конкурсов на проекты Дворца Советов и павильоны СССР на Всемирных выставках 1937 года в Париже и 1939 года в Нью-Йорке. После отказа от конструктивизма и рационализма было решено перейти к тоталитарной эстетике, характеризующейся приверженностью монументальным формам, часто граничащим с гигантоманией, жёсткой стандартизацией форм и техник художественного представления.

В 1934 году создаётся Академия архитектуры СССР и Союз архитекторов СССР, который объединял творческие силы для решения новых задач, поставленных перед мастерами и с помощью которых осуществлялся контроль над деятельностью архитекторов. Среди советских архитекторов данного направления можно выделить Бориса Михайловича Иофана, Дмитрия Николаевича Чечулина, Льва Владимировича Руднева и др. В целом, в сталинской архитектуре прослеживается связь с античными, ренессансными и барочными тенденциями.

В послевоенный период перед страной стояла задача скорейшего восстановления городов и архитектура стала приоритетным направлением народного хозяйства. В конце 1940-х — начале 1950-х в Москве строятся «сталинские высотки», ставшие классическими образцами сталинской архитектуры. Это Главное здание МГУ на Воробьёвых горах, Жилой дом на Котельнической набережной, Гостиница «Украина», Здание Министерства Иностранных Дел, Жилой дом на Кудринской площади, Высотное здание на площади Красных Ворот и Гостиница «Ленинградская». Также среди памятников сталинской архитектуры выделяют комплекс павильонов ВСХВ, станции московского метро, также был задуман проект Дворец Советов. В массовом жилищном строительстве здания сталинской эпохи известны как «сталинки».
Вторая половина XX века[править | править вики-текст]

«Хрущёвка» в Томске

4 ноября 1955 года выходит Постановление ЦК КПСС и СМ СССР «Об устранении излишеств в проектировании и строительстве», положившее конец стилю сталинской архитектуры. Уже начатые стройки были заморожены или закрыты. Стилобат с так и не построенной восьмой сталинской высотки был использован при строительстве гостиницы «Россия». На смену сталинской пришла функциональная типовая архитектура. Первые проекты по созданию массовых дешевых жилых зданий принадлежат инженеру-строителю Виталию Павловичу Лагутенко. 31 июля 1957 года ЦК КПСС и Совет Министров СССР приняли постановление «О развитии жилищного строительства в СССР», положившее начало массовому строительству домов, получивших название «хрущёвки» по имени Никиты Сергеевича Хрущёва.

В 1960 году при поддержке Хрущёва начинается строительство Государственного Кремлёвского дворца по проекту архитектора Михаила Васильевича Посохина. В 1960-х годах вновь появляются здания, символизирующие будущее и технический прогресс. Одним из ярких примеров такого рода сооружений является Останкинская телебашня в Москве, созданная по проекту Николая Васильевича Никитина. С 1965 по 1979 проходило строительство Белого дома в Москве, по конструкции схожее со зданиями начала 1950-х годов. Типовая архитектура продолжала свое развитие вплоть до распада СССР, а в меньших объёмах существует и в современной России.
Современная Россия[править | править вики-текст]

Москва-Сити

После распада СССР многие строительные проекты были заморожены или отменены. Однако теперь не существовало государственного контроля над архитектурным стилем и высотой здания, что давало значительную свободу архитекторам. Финансовые условия позволяли заметно ускорить темпы развития архитектуры. Активно идет заимствование западных образцов, впервые появляются современные небоскрёбы и футуристические проекты, такие как Москва-Сити. Также используются традиции строительства из прошлого, в частности сталинская архитектура в Триумф-Палас.
См. также[править | править вики-текст]
Русское национальное жилище
Крестово-купольные храмы Древней Руси
Список соборов Новгородской области
Литература[править | править вики-текст]
В. А. Пилявский, Т. А. Славина, А. А. Тиц, Ю. С. Ушаков, Г. В. Заушкевич, Ю. Р. Савельев История русской архитектуры / Под ред. Н. Н. Днепрова, Г. Г. Яцевича. — 2-е изд доп. и перабот.. — СПб.: Стройиздат СПб, 1994. — 600 с. — 25 000 экз. — ISBN 5-274-00728-7.
Лисовский В. Г. Архитектура России. Поиски национального стиля. Изд.: Белый Город, Москва, 2009
Борисова Е. А., Каждан Т. П. Русская архитектура конца XIX — начала XX века. — М.: Наука, 1971. — 239 с.
Борисова Е. А. Русская архитектура второй половины XIX века. — М.: Наука, 1979. — 320 с.
Борисова Е. А., Стернин Г. Ю. Русский модерн. Альбом. — М.: Советский художник, 1990. — 360 с. — ISBN 5-269-00028-8.
Борисова Е. А. Русская архитектура в эпоху романтизма. — Спб.: Государственный институт искусствознания, 1997. — 320 с. — ISBN 5-86007-083-7.
Борисова Е. А., Стернин Г. Ю. Русский неоклассицизм. — М.: Галарт, 1998. — 80 с. — ISBN 5-269-00960-6.
Кириченко Е. И. Русская архитектура 1830—1910-х годов. — М.: Искусство, 1978. — 400 с.
Ополовников А. В. Русское деревянное зодчество: Гражд. зодчество. — М.: «Искусство», 1983. — 287 с.: ил.
Ополовников А. В. Русское деревянное зодчество / ЦНИИ теории и истории архитектуры. — М.: «Искусство», 1986. — 311 с.
«Architecture: Kievan Rus and Russia» in Encyclopædia Britannica (Macropedia) vol. 13, 15th ed., 2003, p. 921.
William Craft Brumfield, Landmarks of Russian Architecture: A Photographic Survey. Amsterdam: Gordon and Breach, 1997
John Fleming, Hugh Honour, Nikolaus Pevsner. «Russian Architecture» in The Penguin Dictionary of Architecture and Landscape Architecture, 5th ed., [1966] 1998, pp. 493–498, London: Penguin. ISBN 0-670-88017-5.
Russian art and architecture, in The Columbia Encyclopedia, Sixth Edition, 2001-05.
Encyclopædia BritannicaWestern architecture retrieved 12 August 2005
About.com feature on Russian architecture retrieved 12 August 2005
Grove Art Online articles on Russian architecture Oxford University Press 2005 retrieved 12 August